Cine Clube Leon Hirszman

Crise econômica derruba Governo português e abre corrida eleitoral

2011-04-18T18:29:00.000-07:00

Lisboa, 23 mar (EFE).- A crise econômica que deixa Portugal à beira de um resgate financeiro acabou nesta quarta-feira com seis anos de gestão do Executivo socialista de José Sócrates, que renunciou após a oposição rejeitar seu último plano de austeridade.

O dirigente conservador Pedro Passos Coelho, cuja decisão de não apoiar desta vez o Governo, forçou sua queda, sugeriu imediatamente a realização de eleições antecipadas e se mostrou disposto que seu partido afronte do Governo a crise econômica portuguesa.

No entanto, o líder parlamentar socialista, Francisco Assis, expressou confiança de que Sócrates volte a ser candidato nas prováveis eleições que ainda devem ser convocadas pelo chefe de Estado, Aníbal Cavaco Silva.

O primeiro-ministro demissionário não informou seu futuro quando justificou, em uma declaração ao país, a renúncia que tinha anunciado previamente a chefia do Estado em um breve comunicado em seu site.

O líder socialista explicou a renúncia pela rejeição da oposição ao plano econômico apresentado nesta semana para tentar superar a crise econômica e evitar pedir ajuda externa.

Sócrates acusou as forças da oposição de antepor o interesse partidário aos interesses nacionais e os responsabilizou pelos problemas que Portugal possa sofrer.

Em seu comunicado, a chefia do Estado anunciou que o presidente, o conservador Aníbal Cavaco Silva, fará reuniões com os partidos políticos na próxima sexta-feira e que, enquanto isso, o atual Executivo se mantém como interino até a aceitação da renúncia.

Passos Coelho, presidente do Partido Social Democrata (PSD, centro-direita) do qual Cavaco é líder, responsabilizou o primeiro-ministro demissionário, José Sócrates, de "não conseguir criar confiança" nos mercados e castigar os portugueses com sucessivos planos de austeridade que não deram resultado.

O líder da oposição fez outra declaração pública na qual esboçou o plano de seu partido para combater a crise e considerou a mudança de Governo "um caminho normal na democracia".

Em referência às eleições antecipadas - que devem ser realizadas dentro de dois meses -, Passos Coelho considerou que este processo "permitirá ao país escolher um novo Governo com mais confiança, mais força".

Sem citar o processo eleitoral, que já se dá por inevitável há menos de um ano e meio depois das eleições nas quais os socialistas perderam a maioria absoluta, o dirigente parlamentar proclamou nesta quarta-feira que Sócrates "é e seguirá sendo" seu líder.

O primeiro-ministro demissionário se mostrou muito crítico com os partidos de oposição ao explicar sua renúncia e os acusou de "obstruir" a ação do Governo, "menosprezar" os avanços conseguidos com a União Europeia e atuar com "irresponsabilidade" e "oportunismo.

"Hoje o país perdeu, não ganhou", resumiu o dirigente socialista, que também lembrou que sua renúncia chega em um momento "crucial" para Portugal e para a Europa, devido à cúpula extraordinária realizada na quinta-feira em Bruxelas na qual serão discutidos os mecanismos de gestão da crise da dívida.

O dirigente socialista afirmou que a crise política aberta nesta quarta-feira "só pode ser resolvida pela decisão soberana dos portugueses", em referência à convocação de eleições, e deixou entrever sua disposição a se candidatar novamente.

"Com a determinação de sempre e a mesma vontade de servir meu país, me submeterei a essa decisão", ressaltou.

"Há vários meses, lutei com o propósito fundamental de proteger o país da necessidade de recorrer à ajuda externa, para não cair na mesma situação que Grécia e Irlanda", ressaltou Sócrates ao lembrar as "consequências profundamente negativas" de uma intervenção para "a imagem e o prestígio" nacional.

Sempre Abril

2011-04-18T14:05:00.001-07:00

MFA - Propaganda

2011-04-18T14:04:00.001-07:00

MFA - Continuando a luta

2011-04-18T14:02:00.001-07:00

Mini-Guia MFA - Cerco do Quartel do Carmo

2011-04-18T13:49:00.001-07:00

entrevista Salgueiro Maia

2011-04-18T13:48:00.001-07:00

Abril de Novo -25 de Abril Sempre !

2011-04-18T13:45:00.001-07:00

Capa do Filme

2011-04-18T13:39:00.001-07:00

Fado Tropical - Chico Buarque

2011-04-18T13:36:00.001-07:00

Chico Buarque Tanto Mar Revolução dos Cravos

2011-04-18T13:30:00.001-07:00

Capitães de Abril: Utopia e Revolução

2011-04-18T13:27:00.000-07:00

Antes de mais nada, tenha o leitor em conta de que Capitães de Abril narra uma história de amor. Nada mais estranho, dirão alguns, pois não há Revolução que se levante sem uma grande declaração de amor ao seu país, ao seu povo e, sobretudo, à liberdade. E, não fosse tudo isso, falamos certamente do dia mais importante da trajetória do Portugal moderno.

Entretanto, o filme de Maria de Medeiros pode ser melhor compreendido se cotejado com um outro: Bom povo português, exibido em São Paulo, pela TV Cultura, há alguns anos. Ambos propõem uma memória da revolução dos cravos. O primeiro, preso ao dia 25 de abril, revela a generosidade dos oficiais que derrubaram uma ditadura de quase meio século. Não é por outro motivo que seu herói é o capitão Salgueiro Maia (aquele que não quis o poder). O outro, à moda dos documentários russos dos anos 20 e 30, subverte o seu próprio gênero, dando um tom cômico aos personagens, distorcendo a realidade aparente para revelar a subjacente. Afinal, como dizia o velho Marx, se essência e aparência fossem idênticas toda a ciência seria supérflua.

Bom povo português não se fixa num dia, mas num processo. No fim, vemos outro herói do 25 de abril, o major Otelo Saraiva de Carvalho, assistindo ao poder que sonhara distribuir ao povo voltar às mãos dos profissionais. Não por acaso, este filme foi praticamente banido de Portugal. Seu herói é o povo português, indiferente quase aos acontecimentos da superfície política na sua eterna e recorrente vida cotidiana. É no mínimo incômodo mostrar o rosto de Otelo, este anti-herói que arriscou tudo pela revolução e, anos depois, foi condenado a 15 anos de prisão... Talvez não menos incômodo seria o filme de Maria de Medeiros se os expectadores soubessem das perseguições sofridas pelo Capitão Maia depois de abril... A historiografia (e talvez eles mesmos) preferiria vê-los como pólos antagônicos.

O filme de Maria de Medeiros, embora não fale diretamente de Otelo (que estava, com outros oficiais, no posto de comando da Pontinha, controlando todas as ações do 25 de abril com o codinome Óscar) mostra o que os une. Fala do que ligou todos os capitães: não a política, mas o sentimento. Sua história procura ser fiel aos acontecimentos. Desde o momento em que os chaimites param no sinal vermelho (pois a revolução respeitou as leis!) até o momento em que dois capitães são confundidos com pides (agentes da antiga polícia salazarista), embora essa história realmente tenha acontecido com Otelo e não com Maia...

Mas não deixa de ter o olhar particular da autora, como ela mesma o confessa, no filme, através da menina que declara seu eterno amor ao herói Salgueiro Maia. E da mulher que, na condição de diretora, apostou nas palavras de ordem das mulheres portuguesas, estas já tão mitigadas após décadas de repressão. Não estamos, por certo, muito distantes do Maio de 68, de modo que a Paris da possibilidade, a Eutópia dos reprimidos, já era anunciada logo no primeiro diálogo do filme, na noite anterior à Revolução. Momento emblemático deste dia, viria a ser o flagrante deste mesmo casal, ao ser surpreendido fazendo amor dentro de um chaimite. Talvez a imagem mais próxima para a explosão revolucionária registrada por Maria de Medeiros tenha sido a resposta de Goethe à revolução de julho de 1830, na França: "O vulcão explodiu, tudo está ardendo, não haverá mais negociações".

E este é um grande evento de uma outra história "ficcional" que encontramos no filme. A da guerra que uniu e desuniu um homem e uma mulher. Encanta e deixa um sentimento de perda. Mas ela serve para falar de outro sentimento: a revolução por si só foi um ato de amor numa sociedade que reproduz a solidão. Foi a busca de valores autênticos onde eles não existem. Mas de fato eles existiram por alguns meses em Portugal. Talvez, como diz o herói do filme, apenas para que os inimigos se tornassem menos visíveis.

Lincoln Secco é doutorando em História Social pela FFLCH-USP

Marisa M. Deaecto é doutoranda em História Econômica pela FFLCH-USP

36 anos da Revolução dos Cravos

2011-04-18T02:58:00.001-07:00

Portugal, os fuzis e os cravos

2011-04-18T02:53:00.000-07:00

No dia 25 de abril de 1974, devido a um golpe militar incruento, Portugal deixou de ficar isolado do mundo. Até então era governado por um dos regimes mais arcaicos da Europa – o do salazarismo. O que fez com que fosse apelidado de “A Albânia do Atlântico”. Um sistema autoritário, fascista e colonialista, que já durava 48 anos, foi derrubado em apenas 17 horas devido a decisão e à tenacidade de um punhado de oficiais, quase todos capitães do exército. Assim, democratizando-se, Portugal iniciava o seu caminho de volta para ser reintegrado ao concerto das demais nações européias.

“Grândola, vila morena”

"Valeu a pena? Tudo vale a pena se alma não é pequena."
Fernando Pessoa, Mensagem, 1934.

Na madrugada de 6 de junho de 1944 os integrantes da resistência francesa, com o ouvido colado nos rádios, estavam todos em alerta. A primeira parte da mensagem vinda de Londres já chegara: um trecho de um poema de Paul Verlaine que dizia, “Os longos lamentos dos violinos do outono”. Aguardam, ansiosos, a segunda parte. E, umas horas depois, ela veio: “ tocam no meu coração com monótono langor”. Então desabou um dilúvio. Era o Dia-D. Num céu coberto por aviões de todos os tipos, milhares de navios transportando mais de 200 mil homens das tropas aliadas desembarcaram naquela manhã nas praias da Normandia para por fim ao nazismo que então dominava boa parte da Europa.

Trinta anos depois do Dia-D, começo da libertação final da Europa, nas margens do mesmo Oceano Atlântico, somente que mais ao sul, quando ele banha Portugal, também os resistentes antifascistas aguardavam uma mensagem em código. Eram os integrantes do MFA (Movimento das Forças Armadas), composto por jovens capitães do exército português quem estavam em alerta. Às 0,20 h. do dia 25 de abril de 1974, a Rádio Renascença colocou no ar a música de Zeca Afonso “Grândola, vila morena”, cujas letras falavam em fraternidade, igualdade, e dum estranho lugar onde “O povo é quem mais ordena”.

Os regimentos aquartelados nos arredores de Lisboa, em estado de prontidão, sabiam do se tratava. Do seu QG no Quartel da Pontinha, o major Otelo Saraiva, um protegido do general Spinola, deu então a ordem para que eles se movessem. Comandando a EPC (um regimento de cavalaria de Santarém), o capitão Salgueiro Maia entrou com sua coluna na capital ainda às escuras, estranhando muito aquele silêncio.

Quando o dia amanheceu ele já ocupara o Terreiro do Paço sem fazer um só disparo. Os lisboetas, estupefatos, começaram a se aproximar dos tanques e dos caminhões. Não sabiam bem do que se tratava. Viram que as armas não apontavam contra eles mas sim contra os prédios do arcaico regime. A euforia da multidão então começou.

A revolução dos cravos

Quando as vendedoras de flores chegaram ao Rossio, o gesto delas foi espontâneo: enfiavam cravos vermelhos na ponta dos fuzis. Que diabos de revolução era aquela? Não se ouviam canhonadas nem gritos de dor. O povo, endoidecido pela súbita lufada de liberdade, subia nos tanques e se abraça nos soldados. Mulheres, crianças, velhos, todo mundo saiu de casa para celebrar aquele acontecimento extraordinário. A Lisboa dos tristes fados, naquele dia tornou-se a cidade mais alegre de toda a Europa. Marcelo Caetano, presidente do Conselho de Ministros, o herdeiro político do ditador Oliveira Salazar, refugiou-se no Quartel do Carmo, onde os carros de assalto de Salgueiro Maia o cercaram. Enquanto isso os espiões da PIDE (Polícia internacional de defesa do estado) resistiam a tiros do alto do seu QG na rua Antonio Maria Cardoso, até que fossem rendidos no dia seguinte.

Ao longo daquela quinta-feira chuvosa, todas as cidades importantes de Portugal, fosse Évora, Coimbra ou o Porto, caíram no controle dos militares rebelados. O Estado Novo, regime dos mais retrógrados da Europa, sustentado há quase meio século pela roça e pelo confessionário, ruíra com uma facilidade impressionante. Esfumou-se em apenas 17 horas pela firme decisão de um punhado de oficiais decididos a implantar uma democracia em Portugal.

Ninguém mais tolerava as guerras africanas (1961-1974), purgatório para onde a maior parte da juventude lusitana era enviada à lutar por dois anos. Combate sem fim e desesperançado, que já havia provocado mais de 8 mil mortos e 15 mil feridos , a inútil tentativa de uma vontade reacionária em querer manter um império ultramarino quando o colonialismo já caducara.

Pareceu mais lógico à gente do MFA que o caminho mais curto para terminar o morticínio nas colônias era por abaixo o governo burro, cego e surdo. Ficou claro para eles que a batalha final devia ser travada nas ruas de Lisboa e não nas selvas da Guiné, de Angola ou Moçambique, nas “areias morenas da Africa” como dizia Fernando Pessoa. E assim o fizeram, sem recorrer à fuziladas e matanças. O projeto deles era simples: democracia, descolonização e desenvolvimento. Arrancar Portugal do isolamento e, satisfazendo o antigo sonho de Antero de Quental, reintegrá-lo na Europa. Cumpriu-se o programa. Curioso, o fascismo foi varrido da Europa inspirado em estrofes de poetas.

Revolucao dos Cravos - Grandola, Vila Morena - 2011

2011-04-18T02:50:00.000-07:00

Capitães de Abril - Trailer

2011-04-17T14:24:00.001-07:00

As brumas do futuro, de Capitães de abril de Maria de Medeiros, por Madredeus

2011-04-17T14:22:00.001-07:00

Fluxograma: Paradoxos entre Ciência e Fé

2011-03-17T20:37:00.000-07:00

Cineclube - Gattaca - Fotos

2011-03-17T20:29:00.000-07:00

Gattaca - Experiência Genética

2011-03-03T12:19:00.000-08:00

Num futuro no qual os seres humanos são escolhidos geneticamente em laboratórios, as pessoas concebidas biologicamente são consideradas inválidas. Vincent Freeman (Ethan Hawke), o primogênito, nasceu do amor de seus pais sem preparos genéticos. Tem desde pequeno, o desejo de ser um astronauta, mas tem em seu código genético predisposições a doenças que não lhe permitem nada melhor em vida que o emprego de faxineiro. Consegue, porém, um lugar de destaque em uma corporação, escondendo sua identidade genética verdadeira. Tudo segue perfeitamente, com muito esforço, até que um assassinato em seu emprego põe sua máscara em risco, podendo expor seu passado.

Gattaca se passa num suposto tempo futuro não tão distante, mostra uma sociedade em que o Estado tem controle sobre a visão social da qualidade genética e em que tal manipulação genética criou novas espécies de castas, preconceitos e divisões sociais, aparentemente legitimadas pela ciência. Aos pais que desejam ter filhos é dada a oportunidade de escolher e manipular a interação entre seus gametas, para gerarem filhos com a combinação melhor de qualidade genética possível. Esse procedimento acaba criando uma distinção de quem está mais apto para fazer o que na sociedade e como resultado final, gera uma tarja a ser carregada pelo resto de suas vidas:Válido, no geral frutos dessa combinação genética planejada; ou Não-válido, humanos menos perfeitos, com mais propensões a doenças e deficiências, mesmo que mínimas. Aos Válidos são disponibilizados os melhores empregos e as grandes competições, enquanto para os Não-válidos é limitada a liberdade de escolha, por meios socioeconômicos, a exemplo, pelo seu currículo genético não se consegue um emprego melhor que faxineiro. A história do filme envolve dois irmãos, "Vincent Anton" e "Anton", respectivamente concebidos de maneira natural e manipulado geneticamente. Ambos carregam o nome do pai, mas ao saber do resultado genético do primogênito, o pai inclui um primeiro nome diferente no filho não tão perfeito, resguardando seu nome para um segundo filho, supostamente o mais bem sucedido.O primeiro, Não-válido, mesmo tendo predisposição a várias doenças e uma previsão de sua morte para seus 30 anos, busca realizar seu sonho contra tudo e todos. Deseja Viajar para as estrelas e com todo seu esforço e um pouco de corrupção do sistema, tenta superar os limites impostos ao seu destino, sendo obrigado a esconder de todos quem ele realmente é. Uma curiosidade pertinente é o significado do acrônimo Gattaca: Trata-se da ordenação de uma série de bases nitrogenadas que compõem o DNA, no caso a Guanina Adenina Timina Timina Adenina Citosina Adenina.

Final alternativo de Gattaca (legendado)

2011-03-03T12:13:00.000-08:00

Esse é o final alternativo de Gattaca, filme de Andrew Niccol - 1997. Esse final foi retirado do filme, depois de algumas apresentações, porque as pessoas reagiram mal a ela, sentindo-se pessoalmente atingidas...
Acho uma pena que esse final tenha sido retirado, pois certamente é uma cena emocionante.

Cineclube - As melhores coisas do mundo - Fotos

2011-02-23T19:00:00.000-08:00

Tormenta de tópicos para o debate (caos e conteúdo)

2011-02-23T18:59:00.000-08:00

Cineclube - As melhores coisas do mundo - Fotos

2011-02-23T18:57:00.000-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 10

2011-02-23T18:53:00.001-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 9

2011-02-23T18:52:00.001-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 8

2011-02-23T18:51:00.003-08:00

Debate- As melhores coisas do mundo 7

2011-02-23T18:51:00.001-08:00

Cineclube - As melhores coisas do mundo 6

2011-02-23T18:50:00.001-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 5

2011-02-23T18:49:00.002-08:00

Cineclube - As melhores coisas do mundo 4

2011-02-23T18:49:00.000-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 3

2011-02-23T16:35:00.002-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 2

2011-02-23T16:35:00.000-08:00

Debate - As melhores coisas do mundo 1

2011-02-23T16:33:00.000-08:00

"Comparar este filme com o seriado Malhação é até pecado..."

2011-02-17T12:02:00.000-08:00

Possivelmente os jovens e adolescente se identificarão mais, até porque o filme é tudo aquilo que eles vivem nos dias de hoje, mas não deixo a idéia de que os adultos também possam gostar, até porque todos eles já tiveram suas fases. E se tem um filme sobre o cotidiano dos adolescentes que merecem reconhecimento, é esse. Comparar este filme com o seriado “Malhação” é até pecado, e por mais que possa parecer , pois tem tudo aquilo, jovens, sexo, namoro, virgindade, relações familiares, pegação, festas e essas coisas, tudo isso, aqui neste filme, vai mais além do que “Malhação”.

Na verdade o filme não tem sinopse, não tem um centro para toda a história, o filme nada mais é do que o cotidiano dos estudantes. As inúmeras experiências que passamos, as relações com os amigos na escola e os professores, podemos facilmente nos ver no filme. A dupla Laís Bodanzky (diretora) e Luiz Bolognesi (roterista) fizeram um filme totalmente simbólico da vida dos adolescentes. Vários temas debatidos no filme como a homossexualidade, o preconceito, alunos apaixonados pelo professor, intrigas no colégio, sexo na casa de prostituição, festas e drogas liberadas, aquele certo maxismo por meio deles em excluir uma pessoa por ela ser virgem ou por ela não usar drogas como os outros usam. Esse pontos discutidos no filme traz todo um debate sobre o rumos e caminhos que tomamos, e muitos dos espectadores facilmente se identificarão com os personagens.

Francisco Miguez, que interpreta Mano, o ator central do filme, fez um trabalho excelente, percebem os gestos de timidez e insegurança que ele faz sem se esforçar muito dando ao seu personagem toda aquela simplicidade. Sendo ele o personagem central do filme, é ele que irá sofrer e viver todos esses assuntos discutidos. A separação dos seus pai, as brigas do irmão com a mãe, as amizades falsas, as paixões da adolescência pelas garotas da escola, os vícios das drogas, e tudo mais. Já Fiuk, que interpreta Pedro, o irmão de Mano, tem uma atuação bem ruim e forçada. As discussões com a mãe são totalmente forçada, sem graça e sem emoção e por muitas das vezes ele seu personagem ficava sem expressão. E pra quem comanda uma turma de atores inexperientes, o filme ter aquele ar de naturalidade. Denise Fraga, que interpreta a mãe, já não é novata nem nada, atua excelentemente, transpõe aquele amor de mãe, e sem dúvidas a relação delas com o filho é apaixonante. Ponto para a cena do ovo na parede, divertida e tocante.

Lógico que assistindo novamente nossa adolescência, não poderia faltar o humor. Cenas de humor bem elaboradas e não são aquelas cenas clichês pra nos fazer rir, é simplismente pelas situações vividas pelo personagem. O filme já se inicial com Mano e seus amigos indo pra uma casa de prostituição para perder a virgindade e as cenas de humor construídas conseguem nos pegar pelo simples fato de tudo aquilo já ter acontecido com muitos de nós. A cena que ele volta da casa de uma amiga depois de ter transado com ela montado na bicicleta e com um sorriso de orelha à orelha, o cinema inteiro riu. Ou então a cena em que Mano se masturba dentro do quarto e sua mãe chaga na hora.

Mas se por um lado a diretora acerta, por outro ela erra. As frase de efeito usada são no mínimo gratuitas. Percebe-se as frases que os personagens falam a fim de fazer rir como “Fulano é gay, todo mundo vai me zoar no colégio, o que eu faço agora?” ou então “com tanta gente nesse mundo, porque isso foi acontecer logo com nossa família, Porra, tamo ferrado”, essas frases mal elaboradas tem menos efeito do que a cena em que eles jogam ovo na parede por exemplo, que é muito mais engraçada e inteligente.

Não é nenhuma obra-prima nacional até porque tem muito pontos negativos também, como a previsibilidade, mas é um filme pra ficar marcado no cinema brasileiro, e eu que não sou muito fã dele, me surpreendi com este filme que me fez entrar no cinema sem expressão e sair com um sorriso de orelha a orelha. E não é que tudo aquilo teve um fim, pelo contrário, tudo aquilo pode muito bem continuar, as injustiças no colégio dele, a fase difícil que o irmão dele estava passando (me pergunto até hoje se existem mesmo essas pessoas que falam da sua vida pessoais nos blogs), a namorada dele, enfim. quem disse que eles ficarão juntos para sempre? quem disse que aquele final não pode acontecer de novo com o irmão dele? Ou quem disse que o pai dele continuará com a pessoa que ele estava se relacionando? Mais uma prova de que tudo no filme foi apenas pra nos mostrar esses temas que tanto nos deparamos nos dias de hoje, e Laís Bodanzky foi feliz em fazer isso.

por Andinhu S. de Souza

Logo do Filme

2011-02-17T11:58:00.001-08:00

Crítica: As Melhores Coisas do Mundo

2011-02-17T11:57:00.000-08:00

Uma das grandes críticas sobre os filmes brasileiros é a temática, que sempre recai sobre o árido nordeste ou a miséria e violência que vêm das periferias. Neste ponto, a cineasta Laís Bodanzky (O Bicho de Sete Cabeças, Chega de Saudade) já se destaca. As Melhores Coisas do Mundo (2010), seu terceiro longa-metragem, foge mais uma vez do "Brasil para exportação" ao falar dos adolescentes da classe média. E não se engane: apesar do cenário principal ser um colégio paulistano e as ruas da cidade aparecerem bastante também, a trama podia se passar em qualquer lugar, do Rio de Janeiro a Nova York ou Tóquio, com poucas modificações, pois fala de pessoas e não situações.

O personagem principal é Mano (Francisco Miguez), um adolescente de 15 anos que está enfrentando todos os problemas que vêm com a idade - a cobrança dos amigos para perder a virgindade, a busca por um lugar na sociedade, a paixão não correspondida, etc. - e ainda o bônus que é ver seus pais (Denise Fraga e Zé Carlos Machado) se separarem. Seus melhores amigos são Carol (Gabriela Rocha) e Deco (Gabriel Ilanes). E seu confidente, o professor de violão Marcelo (Paulo Vilhena).

Os cineastas, todos já bem mais velhos que os personagens que estavam criando, sabiam do enorme risco que estavam correndo ao tentar recriar nas telas o selvagem meio-ambiente das fofocas, inseguranças e traições, e da forma como a mídia atual, com SMS e YouTube, viraliza instantaneamente as informações, tornando o cyberbullying um dos maiores problemas da atualidade. Verdades, mais do que nunca, são relativas e segredos têm o prazo de validade cada vez mais curto.

Por isso o roteirista Luiz Bolognesi, não parou sua pesquisa apenas na série de livros Mano, de Gilberto Dimenstein e Heloísa Prieto. O script foi refinado com a ajuda de adolescentes, que em conversas com a equipe ajudaram a mapear essa geração e deram ao trabalho situações e diálogos que fazem parte do seu dia-a-dia, trazendo toda a realidade que a trama pede. O resto ficou por conta dos atores - quase todos sem experiências anteriores -, que trabalharam em cima do que estava escrito, mas com margem para pequenas improvisações.

Mas não dá para reduzir toda uma geração a blogs, o estilinho Gossip Girl, SMS e fotos pelo celular. A informação digital, que é cada vez mais descartável, ainda não conseguiu matar de vez o gosto de escrever na agenda, manter um diário com papel e caneta. É o caso de Carol, que compartilha apenas com o seu moleskine o que está pensando, sem precisar publicar na Internet cada interrogação que surge. É o caso também da canção Something, dos Beatles, que contrapõe a volatilidade dos hits de hoje, que evaporam mais rapidamente do que o download de um torrent.

Em uma das cenas do filme, a reunião na escola, uma das mães levanta a mão para falar que "O mundo mudou muito nestes últimos cinco, dez anos", e imagino que ninguém tenha coragem de discordar dessa afirmação. A boa notícia é que As Melhores Coisas do Mundo vem para ajudar a responder algumas das dúvidas dos pais, esclarecer outras para os adolescentes e, principalmente, mostrar que o cinema brasileiro não se resume a fome e miséria.

Marcelo Forlani

Leia mais no Especial As Melhores Coisas do Mundo

Trailes das Melhores coisas do mundo

2011-02-17T11:53:00.000-08:00

Trailer do Auto da Compadecida

2010-09-24T09:19:00.000-07:00

Clique neste link e veja o trailer do Filme

O Auto da Compadecida - Opinião

2010-09-24T09:14:00.000-07:00

João Grilo e Chicó arrumam um emprego com o padeiro da cidade. O cachorro da mulher do padeiro fica doente, João Grilo e Chicó vão à igreja para pedir ao padre que benzesse Xáreu. Mas o padre não concordou, João então disse que o cachorro era de Antônio Morais, um homem poderoso. Ao ouvir isso o padre aceitou benzer.
Quando iam saindo da igreja Chicó e J. Grilo viram Antônio indo para igreja. João se aproximou e avisou que o padre estava ficando louco chamando a todos de cahorro, para que ele não reparasse. Quando Antônio entrou na igreja logo o padre veio recebê-lo, como ele queria que a filha dele fosse benzida não houve confusão no início da conversa até que o padre referiu-se a cachorros e assim ofendeu a Antônio que disse que iria falar com o bispo sobre a groceria do padre.

Assim que ele saiu chegou na igreja o padeiro e sua mulher, João Grilo e Chicó. Xáreu acabava de morrer e a mulher queria que o cachorro fosse enterrado em latim. O padre e o sacristão não concordaram, mas João que podia agir como quisesse para conseguir o enterro logo inventou que o cachorro era cristão e em troco do enterro deixava dez contos de réis para o padre e três para o sacristão. E assim o enterro foi feito.

Quando voltaram à igreja o bispo estava lá e já sabia das reclamações contra o padre. Ao saber do enterro condenou a ação como um sacrilégio, mas João logo disse que o animal tinha deixado três contos de réis para o sacristão, quatro para o padre e seis para o bispo e assim todos concordaram com o enterro.

Foi então que a muher chegou trazendo o dinheiro para que João o entreguasse ao pessoal. Quando ela estava indo embora J. Grilo lhe ofereceu um gato que “descomia” dinheiro. A mulher ficou animada e comprou o gato, mas logo que foi embora voltou como marido, pois já tinha arrancado do gato todo o dinheiro que Chicó tinha infiado no pobre animal.

Nesse momento entrou na igreja Severino e seu capanga. Ele tomou todo o dinheiro e matou o bispo, o padre, o sacristão, o padeiro e sua mulher. Quando chegava a vez de João ele ofereceu a Severino uma gaita que ressucitava as pessoas.

Para demostrar a eficiência da gaita João deu uma facada em Chicó e lhe furou uma bexiga de bode cheia de sangue que a um tempo atrás Chicó havia pindurado em si por baixo da blusa. Logo depois começou a tocar a gaita e Chicó fez que havia ressucitado.

Em troca da gaita queriam a libertação. Mas Severino estava indeciso então João falou que ele poderia ir ver seu padrinho Padre Cícero, assim o capanga de Severino lhe dá um tiro e em seguida tocou a gaita e obviamente o cangaeiro não voltou à vida. O capanga tentou matar João e assim os três começaram uma luta e João Grilo acabou por enviar uma faca no homem.

Chicó correu pra fora da igreja, João ainda foi até Severino e pegou o dinheiro do enterro e o da padaria. O capanga que ainda não havia morrido, pegou o rifle e em seu último minuto deu um tiro em J. Grilo.

Aparecem então todos no céu. Era a hora do Juízo Final. Apareceram o diabo e Jesus e deu-se início ao julgamento, o diabo acusou a todos e Jesus viu que aquele era um caso díficil. João então chamou Nossa Senhora, mãe de Jesus para interceder por eles. Foi o que ela fez. O padre, o bispo, o sacristão, o paderio e sua mulher foram todos para o purgátorio. Severino e o seu capanga foram absolvidos e foram para o paraíso. João simplismente retornou a seu corpo.

Quando acordou viu Chicó e um palhaço o enterrando, quando ele levantou o palhaço saiu correndo e Chicó de tanto medo nem conseguiu correr. Depois de uma pequena confusão João conseguiu fazer seu amigo acreditar que ele estava vivo. Os dois então se animaram afinal estavam ricos com o dinheiro do enterro e o do padaria que o cangaceiro havia roubado.

Mas Chicó lembrou que prometou a Nossa Senhora que se João escapasse dessa lhe daria todo o dinheiro. Assim os dois começaram a discutir sobre a promessa. Por fim os dois acabaram indo pagar a promessa e entregaram todo o dinheiro a Nossa Senhora.

Por Rebeca Cabral

ARIANO SUASSUNA - O AUTO DA COMPADECIDA - resumo e análise

2010-09-24T09:09:00.000-07:00

O AUTO DA COMPADECIDA E O ESTILO DE ÉPOCA

O teatro, isto é, o texto teatral é uma forma cultural, diferente de outras formas culturais que têm no texto seu veículo de comunicação. Uma peça teatral, portanto, não é a mesma coisa que um romance, um conto ou um poema, esse últimos indicativos de outra forma cultural, a Literatura.
Em linhas gerais, o teatro recebe um impacto muito maior dos condicionamentos de um dado momento histórico, do que, por outro lado, recebe a literatura. Esses impactos se refletem na temática, no tratamento do assunto, nas técnicas propriamente teatrais (cenarização, cenografia, ritmo, iluminação, etc.). Por outro lado, uma peça teatral pode descobrir motivos de criação em outras modalidades essas que podem ou não interessar à Literatura.

Uma tragédia de Ésquilo, concebida nos elementos estruturais da cultura grega clássica, pode adquirir uma roupagem interpretativa moderna, e, como representação de um texto, ser perfeitamente assimilável pelo público contemporâneo, tornando-se com isso uma peça moderna.

O grande dramaturgo brasileiro, Guilherme de Figueiredo, compôs uma série de textos do teatro moderno brasileiro, que consistem na imposição de uma nova "roupagem" a determinados temas da cultura grega clássica.

Em resumo, quando tentamos verificar a que estilo de época se liga um texto teatral, deveremos fazê-lo, não em função de critérios válidos para a Literatura, mas em função de critérios possíveis para a história do teatro.

Nesse sentido, verificamos que Auto da Compadecida apresenta os seguintes elementos que permitem a identificação de sua participação num determinado estilo de época da evolução cultural brasileira:
1- O texto propõe-se como um auto. Dentro da tradição da cultura de língua portuguesa, o auto é uma modalidade do teatro medieval, cujo assunto é basicamente religioso. Assim o entendeu Paula Vicente, filha de Gil Vicente, quando publicou os textos de seu pai, no século XVI, ordenando-os principalmente em termos de autos e farsas.

Essa proposta conduz a que a primeira intenção do texto está em moldá-lo dentro de um enquadramento do teatro medieval português, ou mais precisamente dentro das perspectivas do teatro de Gil de Vicente, que realizou o ideal do teatro medieval um século mais tarde, isso no século XVI, portanto, em plano Quinhentismo (estilo de época).

2- O texto propõe-se como resultado de uma pesquisa sobre a tradição oral dor a romanceiros e narrativas nordestinas, fixados ou não em termos de literatura de cordel. Propõe, portanto, um enfoque regionalista ou, pelo menos, organiza um acervo regional com vistas a uma comunicação estética mais trabalhada.
3- A síntese de um modelo medieval com um modelo regional resulta, na peça, como concebida pelo Autor. Se verificarmos que as tendências mais importantes do Modernismo definem-se no esforço por uma síntese nacional dos processos estáticos, poderemos concluir que o texto do Auto da Compadecida se insere nas preocupações gerais desse es tilo de época, deflagrado a partir de 1922, com a Semana de Arte Moderna, em São Paulo. Um modelo característico dessa síntese se encontra em Macunaíma, de Mário de Andrade, de 1927, e em Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa (1956), entre outros.

A ESTRUTURA DO AUTO DA COMPADECIDA

A - Personagens. A peça apresenta quinze personagens de cena e uma personagem de ligação e comando do espetáculo.

PRINCIPAL: João Grilo

OUTRAS: Chicó, Padre João, Sacristão, Padeiro, Mulher do Padeiro, Bispo, Cangaceiro, o Encourado, Manuel, A Compadecida, Antônio Morais, Frade, Severino do Aracaju, Demônio.

LIGAÇÃO: Palhaço

As personagens são colocadas em primeiro lugar na análise da estrutura da peça porque ela assumem uma posição simbólica, e é desse simbolismo que deriva a importância do texto.

· João Grilo é a personagem principal porque atua como criador de tosa as situações da peça.
· As demais personagens compõem o quadro de cada situação.

· O Palhaço, representando o Autor, liga o circo à representação do Auto da Compadecida.

Organizado o quadro desses personagens, vejamos agora as características de cada uma delas.

a) JOÃO GRILO. A dimensão de sua importância surge logo no início da peça quando as personagens são apresentadas ao público pelo Palhaço. Apenas duas personagens se dirigem ao público. Uma, a chamado do Palhaço, a atriz que vai representar a Compadecida, e João Grilo.

"PALHAÇO: Auto da Compadecia! Umas história altamente moral e um apelo à misericórdia.
JOÃO GRILO: Ele diz "à misericórdia", porque sabe que, se fôssemos julgados pela justiça, toda a nação seria condenada" (p.24).

Mas a importância inequívoca de João Grilo na estrutura da peça define-se a partir do fato de que as situações do Auto da Compadecida são todas desenvolvidas por essa personagem:

1ª) a benção do cachorro, e o expediente utilizado: o Major Antônio Morais. JOÃO GRILO: "Era o único jeito de o padre prometer que benzia. Tem medo da riqueza do major que se péla. Não viu a diferença? Antes era " Que maluquice, que besteira!", agora "Não veja mal nenhum em se abençoar as criatura de Deus!" (p.33).

2ª) a loucura do Padre João, como justifica para o Major Antônio Morais. JOÃO GRILO: /.../ "É que eu queria avisar para Vossa Senhoria não ficar espantado: o padre está meio doido".(p.40). "Não sei, é a mania dele agora. Benzer tudo e chama a gente de cachorro"(p.41).

3ª) o testamento do cachorro. JOÃO GRILO: "Esse era um cachorro inteligente. Antes de morrer, olhava para a torre da igreja toda vez que o sino batia. Nesses últimos tempos, já doente para morrer, botava uns olhos bem compridos para os lados daqui, latindo na maior tristeza. Até que meu patrão entendeu, coma a minha patroa, é claro, que ele queria ser abençoada e morrer como cristão. Mas nem assim ele sossegou. Foi preciso que o patrão prometesse que vinha encomendar a benção e que, no caso de ele morrer, teria um enterro em latim. Que em troca do enterro acrescentaria no testamento dele dez contos de réis para o padre e três para o sacristão" (p.63-64).

4ª) o gato que "descome dinheiro". JOÃO GRILO: "Pois vou vender a ela, para tomar lugar do cachorro, um gato maravilhoso, eu descome dinheiro" (p.38). "Então tiro. (Passa a mão no traseiro do gato e tira uma prata de cinco tostões). Esta aí, cinco tostões que o gato lhe dá de presente"(p.96).
5ª) a gaita que fecha o corpo e ressuscita. JOÃO GRILO: "Mas cura. Essa gaita foi benzida por Padre Cícero, pouco antes de morrer" (p.122).

6ª) a "visita" ao Padre Cícero. JOÃO GRILO: "Seu cabra lhe dá um tiro de rifle, você vai visitá-lo. Então eu toco na gaita e você volta" (p.127).

Essa situação decorre da anterior, mas pode ser considerada com o independente.
7ª) o julgamento pelo Diabo (o Encourado). JOÃO GRILO: "Sai daí, pai da mentira! Sempre ouvi dizer que para se condenar uma pessoa ela tem de ser ouvida!"(p.144).

8ª) o apelo à misericórdia (À Virgem Maria). JOÃO GRILO: "Ah, isso é comigo. Vou fazer um chamado especial, em verso. Garanto que ela vem, querem ver?" (p.169).

Observemos agora a distribuição das personagens nas situações acima definidas, situações essas todas elas deflagradas por João Grilo, como já foi observado:

SITUAÇÃO/ PERSONAGENS/ CONTEÚDO DA SITUAÇÃO

1ª João Grilo Chicó Padre João: a bênção do cachorro da mulher do padeiro.Expediente de João Grilo: o cachorro pertence ao Major Antônio Morais.

2ª João Grilo Chicó Antônio Morais Padre: chega o Major Antônio Morais.Expediente de João Grilo: o Padre João está maluco, benze a todos e chama todo mundo de cachorro.

3ª João Grilo Padre MulherPadeiro Chicó Sacristão Bispo: o testamento do cachorro morto.Expediente de João Grilo: o cachorro morto, encomendado em latim e tudo mais, deixa no seu testamento dinheiro para o Sacristão, para o Padre e para o Bispo.Fonte do dinheiro: o Padeiro e sua mulher.

4ª João Grilo Chicó Mulher: a mulher do Padeiro lamenta a perda de seu cachorro.Expediente de João Grilo: arranja-lhe um gato que descome dinheiro. Vende-o e afaz seu lucro.

5ª João Grilo Chicó Bispo Padre Padeiro Frade Sacristão Mulher Severino (do Aracaju) Cangaceiro: o assalto do cangaceiro Severino do Aracaju.Expediente de João Grilo: a gaita que fecha o corpo e ressuscita. A bexiga cheia de sangue.Evento especial: todas as personagens morrem, inclusive João Grilo.

Salva-se Chico

6ª Palhaço João Grilo Chicó Todas as demais personagens Demônio O Encourado Manuel: ressurreição no picadeiro do circo. O Julgamento pelo Demônio, pelo Encourado e por Manuel (Cristo).Expediente de João Grilo: forçar o julgamento, ouvindo os pecadores.

7ª Todas as personagens A Compadecida: condenação dos pecadores, Expediente de João Grilo: apelo à misericórdia da Virgem Maria.

Pela composição do quadro acima, nota-se que em todas as seqüências a presença de João Grilo é fundamental. Daí a afirmação de que a peça gira em torno dessa personagem, do ponto de vista estrutural.
Que é João Grilo?

· João Grilo é uma figura típica do nordestino sabido, analfabeto e amarelo.
· Habituado a sobreviver e a viver a partir e expedientes, trabalha na padaria, vive em desconforto e a miséria é sua companheira.

· Sua fé nas artimanhas que cria, reflete, no fundo, uma forma de crença arraigada na proteção que recebe, embora sem saber, da Compadecida. É essa convicção que o salva. E ele recebe nova oportunidade de Manuel (Cristo), retornando- à vida e à companhia de Chicó. É uma oportunidade inusitada de ressurreição e retorno à existência. Caberá a ele provar que essa oportunidade foi ou não bem aproveitada.

b) CHICÓ. Companheiro constante de João Grilo e, especialmente, seu diálogo. Chicó envolve-se nos expedientes de João Grilo e é seu parceiro, mais por solidariedade do que por convicção íntima. Mas é um amigo leal.

c) PADRE JOÃO, O BISPO e o SACRISTÃO. Essas personagens, embora de atuação diversa, estão concentradas em torno de simonia e da cobiça, relacionada com a situação contida no testamento do cachorro.
d) ANTÔNIO MORAIS. É a autoridade decorrente do poder econômico, resquício do coronelismo nordestino, a quem se curvam a política, os sacerdotes e a gente miúda.

e) PADEIRO e sua MULHER. Encarnam, um lado, a exploração do homem pelo homem e, de outro, o adultério.
f) SEVERINO DO ARACAJU e o CANGACEIRO. Representam a crueldade sádica, e desempenham um papel importante na seqüência de número cinco, porque nessa seqüência matam e são mortos. Com isso propicia-se a ressurreição e o julgamento.

g) O ENCOURADO e o DEMÔNIO. Julgam, aguardando seu benefício, isto é, o aumento da clientela do inferno. É importante verificar que representam, de alguma forma, um instrumento da Justiça, encarnado em Manuel (O Cristo).

h) MANUEL. É o Cristo negro, justo e onisciente, encarnação do verbo e da lei. Atua como julgador final dos da prudência mundana, do preconceito, do falso testemunho, da velhacaria, da arrogância, da simonia, da preguiça. Personagem a personagem têm seu pecado definido e analisado, com sabedoria e com prudência.

i) A COMPADECIDA. É Nossa Senhora, invocada por João Grilo, o ser que lhe dará a Segunda oportunidade da vida. Funciona efetivamente como medianeira, plena de misericórdia, intervindo a favor de quem nela crê, João Grilo.

B- Estrato metafísico. Pela atuação das personagens, pelo sentido global que encima a peça, percebemos claramente que nela existe uma proposição metafísica, vinculada à Igreja Católica e à idéia da salvação.
Ao lado da significação global do texto, como estrutura, o Palhaço define essa proposição claramente.
O Palhaço realiza, nessa peça, o papel do Corifeu, no teatro clássico, e sua intervenção corresponde à parábase da comédia clássica - trecho fora do enredo dramático em que as idéias e as intenções ficam claramente expressas:

PALHAÇO: "Ao escreve esta peça, onde combate o mundanismo, praga de sua igreja, o autor quis ser representado por um palhaço, para indicar que sabe, mais do que ninguém, que sua lama é um velho catre, cheio de insensatez e de solércia. Ele não tinha o direito de tocar nesse tema, mas ousou fazê-lo, baseado no espírito popular de sua gente, porque acredita que esse povo sofre, é um povo e tem direito a certas intimidades" (p.23-24).

"/.../ Espero que todos os presente aproveitem os ensinamentos desta peça e reformem suas vidas, se bem que eu tenho certeza de que todos os que estão aqui são uns verdadeiros santos, praticantes da virtude, do amor a Deus e ao próximo, sem maldade, sem mesquinhez, incapazes de julgar e de falar mal dos outros, generosos, sem avareza, ótimos patrões, excelentes empregados, sóbrios, castos e pacientes" (p.137).
A intenção moral, ou moralidade da peça, fica muito clara, desde que se torne claro, também, que essa intenção vincula-se a uma linha de pensamento religioso, e da Igreja Católica.

NOTA: Adaptado da análise do livro Vestibular-76 (1976), da Editora O Lutador-MG, edição dirigida aos exames vestibulares da UFMG.

O Filme:

Título Original: O Auto da Compadecida

Gênero: Comédia

Origem/Ano: BRA/1999

Duração: 104 min

Direção: Guel Arraes / Mauro Mendonça Filho

Elenco:

Fernanda Montenegro... A Compadecida
Matheus Nachtergaele...Jõao Grilo
Selton Mello...Chicó
Lima Duarte...O Bispo
Rogério Cardoso...Padre João
Denise Fraga...Dora
Diogo Vilela...Padeiro Eurico
Maurício Gonçalves...Jesus Cristo
Marco Nanini...Severino de Aracaju
Luis Mello...Diabo
Paulo Goulart...Major A.Moraes
Virginia Cavendish...Rosinha
Bruno Garcia...Vicentao
Enrique Díaz...Cangaceiro
Aramis Trindade...Cabo Setenta

Sinopse: As aventuras de um sertanejo pobre e mentiroso, chamado João Grilo, narradas na premiada peça Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna, originalmente escrita em 1955 chega ao cinema na versão de Guel Arraes, Adriana Falcão e João Falcão. O filme tem a direção de Guel Arraes, que filmou em Cabaceiras, no sertão da Paraíba (a peça é situada em Taperoá, pertinho de Cabaceiras), e ainda ganhou trilha sonora original, com produção de João Falcão, e um tratamento visual que faz um paralelo entre o Nordeste dos anos 30 e a Idade Média.

Matheus Nachtergaele interpreta João Grilo, o nordestino sabido, que luta pelo pão de cada dia, e atravessa vários episódios enganando a todos, ao lado de Chicó (Selton Mello), seu companheiro de estrada. Descritos como personagens picarescos pelo diretor Guel Arraes, João Grilo e Chicó são os protagonistas desta história.

Adeus Lenin - Fotos

2010-08-02T07:50:00.000-07:00

Adeus Lenin

2010-08-02T07:17:00.000-07:00

"Adeus, Lênin! É um longa imperdível não só para os cinéfilos, mas para todos aqueles que desejam aguçar sua visão de mundo e conhecer um pouco mais da história além de seus horizontes"

Muitos acham que obras de arte são retratadas apenas em quadros de pintores famosos... mero engano. Existem bons filmes, mas existem àqueles que considero verdadeiras obras de arte, como no caso de "Adeus, Lênin!"; uma lição de vida; uma aula sobre história e política; a visão da população com o fim da Alemanha Oriental. O roteiro de Wolfganger Becker (diretor e roteirista) e Bernd Lichtenberg é impecável e, como se trata de um tema político, o longa teria tudo para ser cansativo, mas devido a sutileza do lado cômico, tornou-se surpreendentemente agradável; memorável - uma aventura vivida pouco antes da queda do muro de Berlim. Com meus 13 anos de idade - ainda lembro-me bem desta época (1989), mas não entendia muito bem o que estava acontecendo nos dois lados da Alemanha. Lembro-me que no ano de 1994, em um passeio na rua Augusta nos Jardins, vi uma loja vendendo um pedacinho do muro de Berlim, como um souvenir e, o preço não era muito acessível para um garoto de 18 anos. Agora, se o pedaço do muro era verdadeiro, não saberia dizer, poderia ser o pedaço de qualquer muro. Enfim, não comprei o souvenir, mas lembro-me dele até hoje, 13 anos depois.

Ao iniciar o longa, logo vi que seria extraordinário, pois o diretor usa uma película inicial de baixa-resolução - provavelmente uma película 8mm ou super-8 -, dando impressão de uma filmagem caseira; amadora. Este toque cria uma realidade e uma certa seriedade na trama. Wolfganger Becker também usa planos abertos na filmagem, mas nada exagerado.

Adeus, Lênin! É um longa imperdível não só para os cinéfilos, mas para todos aqueles que desejam aguçar sua visão de mundo e conhecer um pouco mais da história além de seus horizontes. Este longa reafirma a minha convicção de que muitos filmes são didáticos, impulsionando minha idéia de levar adiante um projeto de inclusão social neste ano de 2008 - Espero que a Prefeitura facilite e coloque em ação este projeto que visa a melhoria no ensino pedagógico para a população de baixa-renda; os "ainda" excluídos da sociedade.

FICHA TÉCNICA:

Título Original: Good Bye, Lenin!

Gênero: Drama

Duração: 118 min.

Ano: Alemanha - 2003

Distribuidora: Sony Pictures Classics

Direção: Wolfganger Becker

Roteiro: Wolfganger Becker e Bernd Lichtenberg

Site Oficial: www.good-bye-lenin.de

Feios, Sujos e Malvados

2010-04-07T07:12:00.000-07:00

"Comédia a la Italiana, esse é um filme dos anos 70 que retrata da forma mais engraçada e caricata possível a realidade de quem vive em favelas. Protagonizado pelo ator Nino Manfredi, na pele Giancinto Mazzatella, um pai de família que vive em pé de guerra com seus 10 filhos, sua esposa, em um minúsculo barraco de madeira numa favela em Roma. Imaginem a confusão, mas não para por aí, Giacinto recebe uma quantia farta do seguro por ocasional acidente de trabalho, o clima esquenta de verdade. Ele passa a se afastar da família aos poucos, pois todos cientes da "bolada" que o pai recebeu, começam a bajula-lo com a intenção de receber alguma caridade; um quer ser barbeiro e montar a sua barbearia, o outro quer uma moto nova, a vovó quer uma tv nova, a esposa quer tratamentos de beleza, enfim todos querem uma fatia do bolo. Giancinto finge não ser com ele, não se importa com os clamores da família, pois, ele chega a conclusão que eles só querem a sua grana e mais nada, só querem sugar. Tentam rouba-lo a noite, ele esconde o dinheiro toda vez que sai para beber. O mais engraçado está por vir. Entre várias brigas, ele acaba baleando um de seus filhos, e vai para a cadeia, o delegado já não aguenta mais ver a cara de Giacinto, promete que se ele voltar mais uma vez, não sairá tão cedo da cadeia, Giacinto se defende. Hilário, mas ao mesmo tempo degradante. Enfim, Giancinto parece encontrar uma pessoa que o compreende, Iside, uma garota obesa, que ele acaba conhecendo em um momento de reflexão sobre a vida, após mais uma bebedeira. Os dois parecem ter nascido um para o outro, trocam confissões, se divertem. Giacinto decide levar Iside para morar em seu barraco, toda a família está em casa, ele convida Iside para compartilharem o mesmo leito. Sempre embriagado e ignorante, ele declara que Iside agora vive ali, e quem não concordar que saia agora mesmo. A família se revolta, a situação se torna crítica, como viver daquela forma, o pai leva para casa a primeira estranha que encontra na rua, insustentável para eles. Prometem vingança contra o pai, à família ele não dava um "tostão furado", sua amante ele tratava com uma princesa, resolvem mata-lo. Chegam em um consenso, decidem mata-lo. Bem o final...confira você mesmo! O filme é classificado como comédia, e verdadeiramente o é, porém vale ressaltar a forma realistica em que a vida é mostrada, não foge muito ao que nós vemos por aí, a luta diária contra a pobreza, a doença, a falta de condição, de perspectiva, acaba sendo de alguma forma um filme dramático também. Lhes falta tudo, todavia não falta uma coisa, a alegria de viver. Altamente recomendado para quer dar umas boas risadas. Clássico do cinema italiano". Por Rodrigo HM.

Postado por Rodrigo HM à

Trailer - Feios, sujos e malvados

2010-04-06T07:58:00.000-07:00

Poster - Feios, sujos e malvados

2010-04-06T07:56:00.000-07:00

Ettore, cineasta da melhor escola

2010-04-06T07:54:00.000-07:00

Hoje pode-se incluir Ettore Scolla, 59 anos, como um dos cinco mais sensíveis cineastas do mundo. Excelente roteirista de comédias sociais dos anos 50/60 - a partir de "Canzioni Di Mezzo Secolo", 1952, de Domenico Paolela - estrearia como diretor em 1964, em "Fala-se de Mulheres" (Se Permettete Parliamo di Donne), com Vittorio Gassman. A partir de então, não parou mais de realizar filmes bem sucedidos, em diferentes gêneros - de comédias como "O Comissário Pepe" (1969) e "Ciúme à Italiana" (1970) a dramas intimistas como o belíssimo "Um Dia Muito Especial" (Una Giornatta Particolare, 77), na qual voltou a reunir Sophia Loren e o seu ator favorito, Marcelo Mastroianni, que buscou para inúmeros filmes - desde o quilométrico (título) "Conseguirão os Nossos Heróis Encontrar o Amigo Misteriosamente Desaparecido na África?" até o elogiado "La Terrazza", de 1979, que há 11 anos se espera que chegue ao Brasil.

Com outro de seus atores favoritos, o comediante Nino Manfredi, fez um drama social pungente, embora em ritmo bem humorado - "Brutti, Sporchi e Cativi" (Feios, Sujos e Malvados, 1975). Nos anos 80, após "Um Dia Muito Especial", Scolla fez experiências diversas: o mergulho crítico ha história ("Casanova e a Revolução", novamente com Mastroianni), um filme sem diálogos, num mesmo cenário ("O Baile"), uma crônica de 80 anos na vida de uma família, também num único cenário ("A Família", 1986), além da comédia (que permanece inédita) "Maccharoni", 1985, reunindo Mastroianni e Jack Lemmon.

No ano passado, Scolla voltou às telas com "Chere Orea É?", adivinhem com quem: Mastroianni, é claro.

Para muitos seu melhor momento foi "Nós que Nos Amávamos Tanto", 1974, no qual reuniu um superelenco - Gassman, Manfredi, Mastroianni, Aldo Fabrizi, Stefania Sandrelli e até, num papel pequeno mas importante, Frederico Fellini.

Feios, sujos e malvados

2010-04-06T07:52:00.000-07:00

Em algumas seqüências de "Feios, Sujos e Malvados" alguns espectadores ensaiam risos. Mas parece não chegar a contaminar histrionicamente a ninguém. Ao contrário, há uma sensação de sufoco, de angústia, frente a imagens tão brutais, chocantes como a que Ettore Scola coloca neste filme denso e pesado, um documento amargo de nossos dias. "Feios, Sujos e Malvados" não é uma comédia, muito menos um filme agradável. Ao contrário: é desagradável a quem busca o belo, o colorido, o alienado. Mas é fascinante, série e importante - sem dúvida um dos melhores filmes do ano - para quem sabe exigir do cinema uma participação social. Com Scolla, o cinema italiano reassume a linha social que tão bem marcou o Neo-Realismo. Aliás, pode-se classificar "Feios, Sujos e Malvados" como um filme neo-realista - assim como o magnífico "Eles Não Usam Black-Tie" (cine Plaza, 4a semana) é também, a sua maneira, um filme neo-realista brasileiro - que reata as relações que Nelson Pereira dos Santos propunha há 27 anos passados em seu "Rio, 40 graus".

Focando toda ação numa família de favelados de Roma, "Brutti Sporchi e Cattivi" - que valeu a Scolla o prêmio de melhor diretor do festival de Cannes, há 5 anos - demorou para chegar. Suas imagens são contundentes e a realidade que espalha não são mera coincidência com o Brasil ou qualquer outro país subdesenvolvido. Aliás, por uma destas coincidências, o curta-metragem que o antecipa, sobre a vida do cientista Carlos Chagas, focaliza na última seqüência uma favela do Rio de Janeiro. Os casebres no alto - sobre a grande cidade. Momentos depois, é a favela de Roma - com suas habitações improvisadas, sujas, poluídas - em contraste com as cúpulas dos edifícios do Vaticano - vistas à distância, mas não tão distante que não passem a ironia e a crítica.

Scolla, um cineasta italiano de formação política vigorosa e cujo "La Terraza" (programado para o Brasil) venceu o festival de Cannes, há dois anos, não situa-se de forma panfletária ou maniqueísta em seu filme. Todos os personagens de "Feios, Sujos e Malvados" são colocados em seu deserdamento social, marginais da vida e convivendo animalescamente. A família de 15 pessoas que habita um casebre de duas peças, o patriarca (magnífica interpretação de nino Manfredi, possivelmente sua melhor atuação) que os humilha, a ganância pelo dinheiro, a entrada em cena da prostituta - uma presença felliniana, constituem - ganchos - para que, pouco a pouco, vários aspectos sociais sejam revelados/discutidos, mas sempre com uma consciência crítica - sem cair na separação de "bons" e "maus". Ao contrário, todos os personagens se apresentam , tal como o título - "Feios, Sujos e Malvados". Talvez a única exceção seja a personagem que abre e fecha o filme: a menina de botas amarelas que ao amanhecer na favela sai para apanhar água na bica comum. No final, a sua gravidez indica que a miséria, a luta pela sobrevivência, a sordidez terá seqüência naquele mundo sórdido, triste, marginalizado - mas admitido pela sociedade capitalista.

Com exceção de Nino Manfredi, não há atores ou atrizes conhecidos. Mas todos têm excelentes atuações, compondo tipos nauseantes em certos momentos (a seqüência em que se planejar a morte do velho pai, com o contraste da carne crua sendo devorada, é quase escatológica), mas que não poderiam aparecer de outra forma. Afinal, "Feios, Sujos e Malvados" não é um filme sobre ambientes sofisticados, romances cor-de-rosa e happy end. É cru, duro, violento como a vida - o que é mostrado nas imagens e na sua emocionante trilha sonora, de Armando Trovajolli.

Um filme marcante e inesquecível. Que merece ser visto por quem sabe apreciar o cinema com algo mais do que simples entretenimento.

O genocídio de Ruanda

2010-03-21T04:35:00.001-07:00

John Hurt em cena do filme "Shooting Dogs", dirigido por Michael Caton-Jones
Reprodução

Dois filmes recentes tratam da matança dos tútsis em 1994, em que mais de 800 mil pessoas foram mortas, sob o olhar indiferente do mundo

“Todos os grandes personagens viraram as costas para nossos massacres. Os boinas-azuis, os belgas, os diretores brancos, os presidentes negros, as pessoas humanitárias e os cinegrafistas internacionais, os bispos e os padres, e finalmente até Deus.” A constatação é de Élie Mizinge, um dos assassinos confessos hútus que participaram do massacre em Ruanda.

O depoimento deste e de outros nove hútus que pegaram em facões e porretes a fim de exterminar a etnia tútsi está no livro “Uma temporada de facões: relatos do genocídio em Ruanda”, do jornalista francês Jean Hatzfeld, lançado no Brasil em 2005. O autor teve longas conversas com os entrevistados na penitenciária de Rilima, onde todos cumprem pena pelos crimes cometidos durante o massacre.

Sete deles eram jovens amigos de colégio, encontravam-se nos cabarés de Kibungo, região pantanosa próxima à capital Kigali e trabalhavam juntos na lavoura. Impressiona a ferocidade e a franqueza dos relatos. “Primeiro, quebrei a cabeça de uma velha mamãe com uma porretada. Mas, como ela já estava deitada no chão, meio agonizante, não senti a morte em meus braços. Voltei para casa de noite sem nem pensar nisso”, revela no livro um dos matadores hútus.

As atrocidades aconteceram há 12 anos -os ataques começaram nos primeiros dias de abril de 1994-, e não houve qualquer tipo de intervenção de órgãos de segurança mundial. As tropas da ONU pouco fizeram e mantiveram postura omissa quanto à possibilidade de salvamento das vítimas.

Keir Pearson, roteirista do filme “Hotel Ruanda”, declara no material extra do DVD (disponível no Brasil a partir 20 de abril): “Quando comecei a pesquisar o assunto o que me espantou foi que a ONU sabia o que estava acontecendo, foi alertada, mas houve um esforço consciente do Ocidente em ignorar”. No filme, uma cena simboliza bem a impotência das tropas diante da milícia extremista hútu Interahamwe, que comandou a ofensiva contra os tútsis.

Integrantes hútus, amontoados no caminhão e empunhando facões, chegam perto do hotel Mille Collines, onde o protagonista Paul Rusesabagina (Don Cheadle) abriga órfãos e tútsis ameaçados pela matança. Em frente ao portão de entrada, está o coronel Oliver (Nick Nolte) com soldados boinas-azuis da ONU. Os milicianos ficam cara a cara com o coronel e gritam palavras de ordem. Para intimidar, jogam fora do caminhão um capacete azul manchado de sangue com a inscrição “United Nation”. Oliver apenas acompanha de longe a arruaça promovida por eles.

Outra tentativa de voltar os olhos ao massacre ignorado à época é o filme “Shooting dogs”, do diretor escocês Michael Caton-Jones, que estreou recentemente em Londres e já tem contrato fechado com a distribuidora Imagem Filmes para ser lançado no Brasil em agosto deste ano. Assim como “Hotel Ruanda”, a ação desenrola-se em um lugar real que serviu de abrigo aos acossados tútsis: a escola secundária Ecole Technique Officielle, com sede em Kigali.

O padre católico inglês Christopher (interpretado pelo ator John Hurt) e um jovem professor tentam a qualquer custo evitar as matanças na capital Kigali e proteger mais de 2.500 tútsis e hútus moderados que são perseguidos pelas milícias extremistas. Mais uma vez, é realçado o caráter de desamparo das vítimas. Quando chegam as tropas francesas à capital, a ordem é clara: só serão resgatados os estrangeiros brancos. Nas horas seguintes à partida dos soldados, a grande maioria dos abrigados da escola é brutalmente assassinada.

“Eu decidi que, mesmo com dificuldades, nós tínhamos que rodar o filme em Ruanda e filmar na Ecole Technique Officielle. E devíamos também fazer o filme com os sobreviventes do genocídio. Eles precisam contar suas histórias”, disse o diretor Caton-Jones. A equipe viajou ao país e passou cinco meses até terminar as filmagens em Kigali. Muitos ruandeses participaram do projeto, como Maggie Kenyama que serviu como assistente de direção. Ela perdeu a irmã durante o massacre e até hoje procura pelo corpo.

“Shooting dogs” teve sua estréia mundial em Kigali. Mais de 1.500 pessoas, dentre elas alguns sobreviventes do genocídio e participantes da produção, foram ao estádio Amahoro, na capital de Ruanda, assistir à primeira exibição do filme. Apesar de gerar discórdias por reavivar memórias de um episódio ignominioso, o presidente ruandês, Paul Kagame, mostrou-se satisfeito. “Filme como este ficará como parte de nossa memória relacionada ao genocídio, e eu acho que a memória precisa ser guardada”, disse.

Em busca de respostas

A atenção voltada ao massacre de Ruanda, mesmo que tardiamente, pretende resgatar parte da história que havia sido ignorada e também busca questionar a motivação de uma matança sem precedentes na história mundial contemporânea. Os dois filmes em questão, “Hotel Ruanda” e “Shooting dogs”, não encerram o assunto nem estão a serviço de uma tese esclarecedora das ações. No entanto, cumprem o papel de tocar na ferida e açular reflexões.

No começo de “Hotel Ruanda”, o operador de câmera de uma emissora de televisão, Jack Daglish, interpretado por Joaquim Phoenix, puxa conversa no bar com um jornalista renomado de Kigali, interpretado por Mothusi Magano. Ele pergunta “qual a verdadeira diferença entre um hútu e um tútsi”. O jornalista responde que “segundo os colonos belgas, os tútsis são mais altos e elegantes” e, por fim, diz: “Foram os belgas que criaram essa divisão”.

Na tentativa de encontrar no passado alguma resposta que possa elucidar esse conflito entre as etnias, o jornalista francês Jean Hatzfeld, autor do livro “Uma temporada de facões”, alerta para a revolução popular de 1959 que resultou na independência do país em 1962. Foi uma revolta camponesa hútu que derrubou a aristocracia tútsi e aboliu a servidão. Os líderes dessa insurreição aproveitaram a situação para marginalizar a comunidade tútsi, formada por camponeses, funcionários e professores.

Sob o domínio dos hútus, os tútsis passaram a ser apontados como pérfidos e parasitas num país superpovoado. Em 1973, com o golpe do major Juvénal Habyarimana, a autonomia de administração hútu consolidou-se e gerou bastante desconforto à população tútsi. Ficou instituído o confisco de bens, o deslocamento da população, a fim de isolar o inimigo, além de ter sido aprovada uma lei de proibição de casamentos mistos entre as duas etnias.

O estopim que pareceu deflagrar definitivamente o conflito aconteceu em 6 de abril de 1994, quando o presidente hútu de Ruanda, Habyarimana, foi morto após a explosão do seu avião. Imediatamente a autoria do atentado recaiu sobre os tútsis. A matança iniciou-se na mesma noite na capital Kigali. O resultado seria um total de 800 mil pessoas –entre tútsis e hútus moderados– mortas em 12 semanas.

Nos depoimentos dos matadores entrevistados por Hatzfeld no livro, tende-se a pensar numa ação premeditada e anterior à morte do presidente. “Em 1991, nos jornais militares o tútsi era apontado como o inimigo natural do hútu que precisava ser eliminado definitivamente. Estava escrito em letras garrafais na primeira página. Com o tempo, o alvo foi sendo pouco a pouco difundido nas estações de rádio”, disse um dos hútus que participaram da matança.

Não à toa as primeiras falas do filme “Hotel Ruanda” são ameaças veiculadas numa estação de rádio. Segundo Hatzfeld, as mensagens transmitidas por rádio tiveram papel fundamental para inflamar os ânimos dos assassinos. “Nos estúdios das rádios populares, como a Rádio Ruanda ou a Rádio Mil Colinas, os tútsis são chamados de ‘baratas’. Apresentadores famosos, como Simon Bikindi e Kantano Habimana, pregam abertamente a destruição dos tútsis”, escreveu o autor.

Até o fim do massacre, por volta de 14 de maio, os hútus, acostumados ao trabalho árduo nos bananais e nos cafezais, haviam trocado as atividades pela rotina de matar diariamente. Como declaram no livro de Hatzfeld, era uma tarefa mais lucrativa, que trazia fartura para dentro de casa, pois não se preocupavam mais com a seca e as colheitas perdidas e acumulavam bens com as pilhagens.

Mesmo os hútus moderados, que não compartilhavam da idéia do genocídio, sofreram ameaças por não colaborarem e alguns foram mortos. Muitos desertores tinham de pagar multas em dinheiro ou eram obrigados a matar como forma de provar sua fidelidade às autoridades policiais. É o que ocorre, em certo momento do filme “Hotel Ruanda”, com o personagem Paul Rusesabagina, cuja esposa era tútsi.

Ele implora a um oficial do exército hútu para não matar sua mulher e outros vizinhos tútsis que estão jogados no chão. O militar oferece-lhe a arma e ordena: “atire neles”. Paul diz que não sabe usar armas e promete retribuir com dinheiro, caso o oficial deixe os amigos em paz. “Quem hesitasse em matar, por causa de sentimentos de tristeza, tinha de disfarçar suas palavras a todo custo e não dizer nada sobre a razão de sua reticência, sob pena de ser acusado de cumplicidade”, disse Pio Mutungirehe em depoimento no livro de Hatzfeld.

Por mais que o autor e jornalista francês tenha se lançado numa obsessão a fim de compreender o genocídio em Ruanda -é seu segundo livro sobre o assunto-, as respostas parecem escorregar entre seus dedos. Um dos entrevistados, Joseph-Désiré Bitero, respondeu-lhe: “A fonte de um genocídio o senhor jamais verá, está enterrada bem fundo nos rancores, sob um acúmulo de desentendimentos dos quais herdamos o último. Chegamos à idade adulta no pior momento da história de Ruanda, fomos educados na obediência absoluta, no ódio, fomos entupidos de fórmulas, somos uma geração sem sorte”.

Fernando Masini
É jornalista.

Poster do Filme Hotel Ruanda

2010-03-20T03:38:00.000-07:00

Trailer - Hotel Ruanda

2010-03-20T03:13:00.000-07:00

Hotel Ruanda - O Schindler africano

2010-03-20T03:08:00.000-07:00

É inevitável que ao assistir Hotel Ruanda façamos uma comparação com o premiado e cultuado filme A Lista de Schindler, do diretor Steven Spielberg. Há evidentes pontos de encontro especialmente no que se refere aos personagens principais e ao clima de catástrofe reinante nos países em que acontece a ação. O que também impressiona muito aos espectadores é saber que as histórias apresentadas nas telas são reais e que o todo aquele sofrimento aconteceu...

Guardadas as devidas proporções históricas, há um outro pormenor que pode ser percebido pelo público. Trata-se da forma diferenciada como os dramas da vida real foram tratados pela mídia internacional e pelos governantes dos países mais ricos do mundo. Na 2ª Guerra Mundial, ainda que de forma tardia, os países foram entrando no conflito e se posicionando contra a tirania e as violências praticadas pelos nazistas.

Mobilizados pelo poder econômico da comunidade judaica do mundo todo, os principais órgãos noticiosos do planeta foram informando a população mundial das atrocidades de guerra cometidas pelos seguidores de Adolf Hitler. Após o cessar fogo e os tratados de paz, a memória do holocausto foi sendo recuperada e se tornou tema de museus, estudos, pesquisas, livros, filmes,...

O massacre da população de Ruanda, um pobre país exportador de chá e café, localizado na região central do continente africano, ex-colônia da Bélgica, não foi capaz de movimentar a imprensa internacional. Calcula-se que aproximadamente um milhão de pessoas tenha morrido na guerra civil que abateu o país em 1994 e praticamente nada a respeito do assunto foi divulgado para os países do Ocidente.

O descaso foi tão grande em relação a Ruanda que as tropas de paz da ONU (Organização das Nações Unidas) foram retiradas do país e recomendou-se que não interviessem nos embates entre hutus e tutsis (as etnias locais que disputavam o controle político do país).

A diferença quanto ao interesse internacional em relação aos dois acontecimentos também fica evidenciada pela repercussão quanto aos dois filmes. O investimento, a divulgação, a quantidade de salas de cinema, os números relativos ao lançamento do filme em vídeo e DVD, as vendas de ingressos e cópias da produção de Spielberg foram gigantescas quando comparadas com os resultados obtidos por Hotel Ruanda.

Isso não quer dizer que um filme seja necessariamente melhor do que outro. Tanto é assim que o reconhecimento por parte do público e da crítica foi ótimo em ambos os casos. Isso nos permite afirmar, com certeza, que Hotel Ruanda, do diretor Terry George, é uma daquelas pequenas e muito brilhantes pérolas que ocasionalmente são lançadas pelo cinema.

Trata-se de um filme de grandes qualidades e que, entre todas elas, tem como seu maior trunfo levar o grande público a refletir sobre as desgraças que afligem o continente africano e a verdadeiramente se sensibilizar e mobilizar-se em favor de maior justiça, paz e harmonia no mundo em que vivemos.

O Filme

Paul Rusesabagina (Don Cheadle, indicado ao Oscar pelo papel) é gerente do hotel Milles Collines em Ruanda. Esse estabelecimento recebe hóspedes do mundo todo e é muito conceituado pela qualidade de seus serviços e acomodações. Trata-se, evidentemente, de um hotel de luxo. Apesar de trabalhar nesse ambiente rico e privilegiado e também de ter uma vida confortável numa casa de bom padrão, Paul vive num país a beira do caos, uma autêntica bomba relógio prestes a explodir...

Seu país é uma ex-colônia belga dividida entre duas etnias, os hutus e os tutsis. Avesso aos problemas políticos, Paul é uma pessoa muito bem informada quanto às pendências e disputas por trabalhar num dos locais onde se reúnem autoridades locais e internacionais que discutem o futuro de Ruanda. Pelos corredores de seu hotel circulam diplomatas, políticos, generais, representantes das Nações Unidas, investidores estrangeiros e turistas.

O hotel Milles Collines, em virtude de sua importante clientela internacional, torna-se então um local relativamente protegido contra os abusos e violências praticados na guerra. Quando estoura o conflito muitas pessoas (tanto da população local quanto estrangeiros que estão no país) buscam refúgio no estabelecimento gerenciado por Rusesabagina.

É nesse momento que se revela a grande história que movimenta o filme e que sensibiliza os espectadores, Paul recebe os refugiados e se torna protetor de todos aqueles que estão escondidos no Milles Collines, inclusive sua mulher e filhos.

Hotel Ruanda é um filme que tem como temática central a humanidade de seu personagem principal. Paul Rusesabagina é um daqueles anônimos heróis do cotidiano que, a despeito de qualquer glória que possam atingir, age movido pelo coração e pela fé apesar do medo e das ameaças que sofre. Numa atmosfera em que a morte ronda a todos (há milhares de corpos de vítimas inocentes jogados pelas ruas e rios da região), era preciso ter muita coragem e dignidade para enfrentar as hostilidades e é nesse quesito que a história contada em Hotel Ruanda conquista espectadores no mundo inteiro...

Para Refletir

1- Em uma das cenas mais importantes do filme Hotel Ruanda, o jornalista Jack Daglish (interpretado por Joaquin Phoenix) volta das ruas com fortes imagens do horror da guerra. Inúmeros mortos espalhados pelo chão enquanto as violentas ações continuam aparecem nas filmagens mostradas pelo repórter ao chefe de sua equipe e são também vistas por Paul Rusesabagina. Preocupado com a reação do gerente do hotel, Daglish se desculpa e Paul responde que acha importante que a comunidade internacional saiba dos acontecimentos em Ruanda para que se mobilize. A resposta do jornalista é então sintomática quanto à repercussão desses ocorridos quando ele diz que as pessoas verão isso enquanto jantam, se sentirão sensibilizadas e, depois de alguns segundos de indignação, retornarão as suas refeições... De que forma podemos superar essa tão evidente indiferença? O que pode ser feito para que não fiquemos apenas pasmos com os acontecimentos e imobilizados em nossas ações? Conversem com seus alunos. Discutam o tema. Busquem respostas em enquetes através da Internet ou entrevistas. Leiam sobre o assunto. Algo tem que ser feito em situações como essa...

2- A África é um continente esquecido e abandonado, em especial os países que não dispõem de petróleo, ouro, diamantes ou outros produtos de grande interesse comercial. Destruída por guerras em certas regiões, padecendo com epidemias de grandes proporções (como a Aids), sofrendo com as guerras pelo poder e a ambição desmedida de líderes corruptos e despóticos, o berço da humanidade foi deixado a sua própria sorte, sem amparo e projetos de recuperação por parte da comunidade internacional. Seria interessante propor um grande projeto de pesquisa sobre a África que levasse os estudantes a entrar em contato com embaixadas, trocar informações pela Internet com pessoas de nações africanas, levantar dados pela rede mundial de computadores, buscar livros sobre o tema, assistir outros filmes,...

3- O humanitarismo percebido nas ações de Paul Rusesabagina não pode ser desprezado como tema a ser trabalhado em aulas e debates sobre o filme. Carecemos de mais exemplos de solidariedade, dignidade, coragem e ética. Vivemos num mundo onde os escândalos parecem prevalecer, a corrupção endêmica tomou conta de vários países (até mesmo do nosso), a violência grassa vidas sem que os outros se sensibilizem e a desonestidade é a regra e não a exceção. Trabalhar valores, respeito e despertar os jovens para uma vida mais engajada em favor da justiça e da harmonia no mundo é tarefa urgente e importantíssima da escola e da sociedade.

Ficha Técnica

Hotel Ruanda

Título Original: Hotel Rwanda
País/Ano de produção: EUA/Itália/África do Sul, 2004
Duração/Gênero: 121 min., Drama
Direção de Terry George
Roteiro de Keir Pearson e Terry George
Elenco: Don Cheadle, Desmond Dube, Hakeem Kae-Kazim,
Tony Kgoroge, Neil McCarthy, Nick Nolte, Sophie Okonedo,
Joachin Phoenix, Fana Mokoeda.

Links
-http://www.adorocinema.com/filmes/hotel-ruanda/hotel-ruanda.asp
- http://epipoca.uol.com.br/filmes_detalhes.php?idf=10432
- http://www.cineclick.com.br/criticas/index_texto.php?id_critica=9071

João Luís de Almeida Machado Doutor em Educação pela PUC-SP; Mestre em Educação, Arte e História da Cultura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie (SP); Professor Universitário e Pesquisador; Autor do livro "Na Sala de Aula com a Sétima Arte – Aprendendo com o Cinema" (Editora Intersubjetiva).

Frida Kahlo, maravilhosa e visceral

2009-05-25T13:59:00.000-07:00

por Daniel de Souza * - “Que maravilha!” Consta nos diários de Cristóvão Colombo esta frase para descrever os primeiros contatos do navegador genovês com o novo mundo. Séculos mais tarde, o escritor cubano Alejo Carpentier (1904-1980) aplicou o conceito de maravilhoso à realidade do continente americano e à Arte produzida nele.

Para Carpentier, o mágico, o absurdo, ou, se preferirem, o surreal em nosso continente é parte integrante do cotidiano e de nossa realidade. Em nós, diferentemente do que ocorre com os europeus, consciente e subconsciente se fundem num só, num todo, não há uma divisão. Fatos históricos e fenômenos naturais comprovam a magia e a maravilha do continente, basta-nos observar as linhas de Nazca, ou a arquitetura maia, ou ainda o Titicaca, lago navegável mais alto do mundo e berço da civilização inca.

A mestiçagem também é um componente a mais para nos tornar um povo, de certa maneira, mais propenso, mais ligado à magia e ao “absurdo”. Basta ver a nossa religiosidade, misto de religiões africanas, européias e indígenas. O vodu haitiano, o candomblé baiano são testemunhos do quão arraigado está em nossa carne o ilógico, (ilógico aqui quer dizer aquilo que não obedece a uma lógica cartesiana) e o quão arraigado está em nós o onírico, o imaginado.

É neste sentido que o “maravilhosa” do título vem adjetivar Frida Kahlo (1904-1954), pintora “surrealista” mexicana. Diferentemente do que ocorre com os pintores surrealistas europeus, mais notadamente o expoente Salvador Dali, que têm uma grande influência e uma tremenda assimilação das teorias freudianas, em Frida o surrealismo parece ser algo intrínseco, quase que naïf, como se, para ela, aquela fosse a única maneira possível de se expressar e de pintar.

Em Frida o ilógico é a única lógica. Suas metáforas parecem brotar tanto do centro de sua Terra – observar os quadros Eu, o Diego e o senhor Xólotl (1949), Flor da vida (1943), e O Sol e a vida (1947) – quanto de dentro dela mesma – observar as telas O veado ferido (1946), Árvore da esperança (1946), A coluna partida (1944; ao lado), esta última uma das telas mais fortes de todos os tempos.

Para explicar o outro adjetivo, visceral – que vem de vísceras, e quer coisa mais subjetiva do que as próprias vísceras? – teremos que dar uma pincelada em alguns dados biográficos da artista.

Frida Kahlo teve uma vida recheada de dor (é possível criar sem sofrer?). Filha de um pai epiléptico e de uma mãe extremamente religiosa, Frida, aos seis anos, teve poliomielite, o que a deixou com uma perna mais fina que a outra e com o pé esquerdo atrofiado, além de lhe render o apelido de “perna de pau” na escola. Aos dezoito anos, a pintora sofreu um acidente de automóvel, que lhe esmagou a coluna vertebral e lhe deixou impossibilitada de ter filhos. Tudo isso, mais as dúvidas quanto à própria sexualidade e mais a questão da identidade são temas constantes em sua obra.

Para mim, que sou um romântico declarado, a grande Arte é movida muito mais pela paixão que pela razão, e… Frida faz isso. Sua Arte é tão íntima, tão pessoal, tão “ego” que se torna universal, humana, “self”. Suas telas são todas metáforas de fatos, opiniões, sentimentos e situações pessoais. Frida Kahlo nos seduz pelo coração e não pelo intelecto. É mais ou menos o que Vincent Van Gogh também procurava fazer.

Outro aspecto importante a seu respeito, e que não poderia ser deixado à margem, é a questão da arte feminina. Frida é uma das primeiras pintoras a abordar de fato questões relacionadas ao universo das mulheres, como a maternidade, ou a impossibilidade da maternidade, por exemplo (ver as telas Nascimento (1932), A cama voadora (1932) ou ainda a questão da violência contra a mulher, que a pintora retrata tão bem na tela Uns quantos golpes (1935; ao lado).

Toda a obra da pintora é fascinante, mas todo artista tem aquelas obras que de fato são fora do comum, realmente impressionantes e que nos deixam boquiabertos. No caso da mexicana, as duas obras de tirar o fôlego são a já citada A coluna partida e As duas Fridas (1939). Esta, pintada pouco depois do divórcio da pintora com o também pintor Diego Rivera, é um auto-retrato composto por duas personalidades diferentes. No trabalho, Frida trata das emoções envolvidas na separação. A parte de si que era respeitada por Diego Rivera é a Frida mexicana, com trajes pré-colombianos e com uma pequena fotografia nas mãos, enquanto a outra Frida, não tão respeitada assim, leva um vestido branco mais europeu. Os corações das duas mulheres estão expostos e são ligados, um ao outro, apenas por uma artéria e a parte européia de Frida corre o perigo de se esvair em sangue até a morte, uma vez que uma das veias de seu coração, embora meio que obstruída, ainda sangra, manchando de vermelho o belo vestido branco.

É difícil pra mim, quando estudo, ou apenas aprecio a obra de Frida Kahlo, não estabelecer um paralelo com a canção “Beatriz”, do Chico Buarque, principalmente na voz de Milton Nascimento. Se repararmos nas expressões faciais da maioria das telas da artista, perceberemos uma certa imparcialidade de sentimentos, como uma atriz que se despe de si mesma para melhor se enxergar. Olhando somente para seu rosto, fico imaginando, “Será que ela é triste / Será que é o contrário / Será que é pintura… / E se eu pudesse entrar na sua vida…”

Então me deparo com o quadro A Máscara (1945), que inverte o principio da máscara, onde encontramos a verdadeira Frida, nua e desesperada. E eu posso entrar na vida dela, mesmo com vinte quatro anos separando sua morte do meu nascimento. Hoje escrevi essas linhas só pra dizer a ela que a amo e a entendo. É pouco, eu sei, mas “Se um dia ela despencar do céu / e se os pagantes exigirem bis / e se um arcanjo passar o chapéu…” quero estar por aqui e ter mãos carinhosas e palavras doces na língua pra dizer a ela.

Beijos, Frida.

* Daniel de Souza Lopes é formado pela UNESP e participou do curso de mestrado em Teoria Literária da USP. É professor de Literatura e Língua Portuguesa e Espanhola do Colégio Objetivo e da Rede Pública Estadual. Lançou recentemente seu primeiro romance, É preciso ter um caos dentro de si para criar uma estrela que dança, pela Editora Os Viralata. Blogue: pianistaboxeador21.blogspot.com.

Frida- Pôsters

2009-05-25T13:56:00.000-07:00

Trailer - Frida

2009-05-25T13:26:00.000-07:00

Tiros em Columbine - Trailer

2009-04-29T15:53:00.000-07:00

Tiros em Columbine – a égide do Medo

2009-04-29T15:49:00.000-07:00

Em “Fahrenheit 9/11”, de Michael Moore o Diretor deixa claras as relações entre a família Bush e a Família Bin Laden, da Arábia Saudita, espantando-se com a série de equívocos, detalhes mal explicados pelo governo estadunidense como a providência da retirada de toda a família de Osama Bin Laden logo após o atentado de 11 de setembro de 2001 e as reuniões entre representantes dos interesses da Família Bin Laden e o próprio Jorge Bush (pai). Inquietante e faz-nos refletir em torno de teorias conspiratórias, mas não há como negar: a primeira eleição de Jorge W. Bush (o pequeno) foi complicada e polêmica. Claramente o vencedor foi o democrata Al Gore mas autoridades nomeadas por Jorge Bush (pai) providenciaram a “vitória” de Bush filho. Sua popularidade estava ao rés-do-chão quando do atentado às Torres Gêmeas, o World Trade Center. A partir daquele evento praticamente toda a nação ianque se uniu em torno do seu dirigente demente. No segundo turno Bush – segundo abalizados analistas – estava completamente sem chances. Um pronunciamento de Osama Bin Laden dias antes da votação foi providencial para garantir seu “second term” – segundo mandato. Tudo isso é muito suspeito...

“Tiros em Columbine”, de 2002. Selecionado pelos organizadores do Oscar como “Melhor Documentário do Ano”, ao receber o prêmio em 2003, Michael Moore chamou ao palco seus colegas de produção e discursou informando que ele e sua equipe de produção “gostam de não-ficção, mas vivem em tempos fictícios, onde resultados fictícios das eleições americanas elegeram um presidente fictício”.

Ovacionado por uns e execrado por outros, pessoas intransigentes em sua busca pela verdade, como Moore, tendem a ser consideradas polêmicas mesmo...

O fato e a abertura chocante

No dia 20 de abril de 1999, dois jovens estudantes entraram fortemente armados na biblioteca de uma escola pública na pequena Columbine – Littleton – Colorado, mataram doze colegas e um professor, suicidando-se em seguida. Este o mote do filme: tentar compreender os motivos de tanta violência gratuita, absurda e vastamente disseminada na sociedade estadunidense.

Desnecessário enfatizar que não foram armas compradas legalmente, pois os jovens eram menores de idade e não tinham licenciamento, mesmo para a liberal legislação estadunidense.

O fato é que os cidadãos da Nação mais belicosa do mundo têm motivos de sobra para viver sobressaltados, em permanente estado de temor e tremor.

A seqüência de abertura tem um tom fortemente sarcástico: a montagem a partir de um outro filme propagandístico da Indústria Armamentista estadunidense apresenta um militar informando que a Associação Nacional do Rifle – hoje presidida por ninguém menos que Charlton Heston (Ben Hur, Os Dez Mandamentos...) – “produziu um filme que você considerará de grande interesse”. A seguir, ao som do “Battle Hymn of The Republic” (aquela que tem por refrão: “Glory, Glory, Alleluja, The truth is marching on!”) a narração do próprio Michael Moore informa de um dia normal nos Estados Unidos da América – o fazendeiro atua em sua lida, o entregador de leite cumpre o seu papel social, o presidente bombardeou mais um país cujo nome mal conseguimos pronunciar, a professora recebe sua turma para mais uma manhã de aulas e dois estudantes saem para jogar boliche às 6h da manhã. A seguir algo surpreendente: o North Country Bank, de Michigan, oferece um rifle gratuito a quem abrir uma conta. Moore abre a conta e sai da agência ostentando o rifle no ombro.

Armas por toda a parte

Moore apresenta uma sociedade aterrorizada, decidida a tomar sobre si a proteção de seus lares contra o inimigo. Qual inimigo? E isso importa? Importante mesmo é que todos vivam com medo e assim a sociedade seja mantida sob controle, ainda que o preço para isto sejam desvios enlouquecidos.

Em qualquer lugar do mundo, conseguir armas é algo exageradamente simples quando se dispõe de recursos e disposição para tanto, seja oficialmente, seja no mercado negro.

Mas aprofundemos: seria o excesso de armas nas mãos de civis o motivo da violência existente nos EUA? Moore atravessa a fronteira norte e visita algumas cidades do Canadá. Encontra um país com o mesmo – senão ainda maior – número de armas de fogo nas mãos de civis e um índice de violência inacreditavelmente baixo. Entrevistando o Delegado de Polícia de uma cidade canadense de porte médio, percebe-se que ele encontra dificuldade em se recordar quando houve por ali o último homicídio. Após algum diálogo, constata que, para uma cidade aí de uns 500.000 habitantes, há uma média de 1 (UM) homicídio a cada 3 anos.

Outra coisa somente crível porque testemunhada, filmada e documentada é o fato de ninguém no Canadá trancar a porta de suas casas, vivem sem medo! Isto deixa o cineasta tão estarrecido que ele resolve visitar vários bairros de diferentes cidades e testa abrir as portas sem bater. Nenhuma está trancada. Em algumas encontra os moradores, que o recebem com cortesia e uma leve surpresa, mas ninguém no Canadá tranca a porta de suas casas.

Enquanto é relativamente comum nos EUA que as pessoas tenham fechaduras e travas triplas ou quádruplas em suas portas fortificadas e muitos tenham pistolas e revólveres literalmente sob o travesseiro, no Canadá as portas ficam somente encostadas e as armas guardadas em armários para uso em caça...

Tudo aponta na direção de a violência não ter origem direta na quantidade de armas – idêntica nos dois países estudados no documentário – mas antes no viver sob a égide do medo. Quanto a mim sou radicalmente pacifista. É imoral fabricar mísseis mais caros que universidades, injustificável construir tanques de guerra mais onerosos que habitações populares, incrível que uma bala de revólver seja mais cara que um litro de leite. E tudo isto num mundo carente de universidades, moradias, leite...

Não justifico a proliferação de armas, mas convenhamos, não é a ferramenta que causa problemas, mas o mau uso dela. O exemplo do Canadá é fantástico. Outro é o da Suíça, país em que todos os homens maiores de idade – e mulheres que sejam voluntárias – servem à Guarda Nacional do país por seis meses logo que atingem a maioridade e mantêm armas em casa; o país não aparece nas estatísticas de violência contra a pessoa.

Contradições e Paradoxos Deliciosos

Sempre gostei de contradições e paradoxos. E eles abundam no documentário. O gerente de uma fábrica de mísseis de longa distância em Colorado não consegue entender como é que jovens entram numa escola e saem matando pessoas a esmo. E não vê a menor conexão entre a utilidade do que fabrica – armas de destruição em massa – e a cultura da violência em seu país...

O então presidente Bill Clinton aparece em rede nacional de TV justificando um bombardeio na Sérvia, considerando a destruição de escolas e hospitais “casualties of war” – acidentes de guerra – diante de um propósito maior. Uma hora depois a Casa Branca manifesta profundo pesar pelo massacre em Columbine e condena com veemência que se faça nos EUA o que os estadunidenses fazem alhures quase que diariamente...

Conheça mais sobre o trabalho de Michael Moore: www.michaelmoore.com

Detalhes do Massacre no Colorado (em inglês): www.konformist.com/1999/colorado.htm

O Labirinto do Fauno - Trailer

2009-04-29T15:20:00.000-07:00

O Labirinto do Fauno de Guillermo Del Toro

2009-04-29T15:16:00.000-07:00

O Labirinto do Fauno, do diretor Guillermo Del Toro é visceral, violento, mágico e impressionante. É o retorno da fábula à seu devido lugar e uma história que nos choca e emociona com seus toques líricos e oníricos diante da violência de um país assolado pela Guerra Civil Espanhola.

A criatividade geralmente acontece na quebra de padrões, aplicando uma nova visão a fatos e coisas. Analisar problemas sobre novos ângulos. Perceber detalhes sutis e retirar a poesia da vida. Ver a arte antes mesmo dela existir. Estes são fatores que formam um criativo.

Todos estes elementos se mostram presentes no mexicano Del Toro. O diretor reuniu em El Labirinto del Fauno uma série de metáforas e alegorias, e criou um filme pesado e violento que conta a história de uma menina chamada Ofelia (Ivana Baquero) filha de Carmen (Ariadna Gil), uma mãe viúva que se casa com Vidal (o brilhante Sergi López), um oficial fascista que tenta eliminar guerrilheiros que lutam contra o regime de Francisco Franco. A menina Ofelia é fascinada por fábulas e contos de fadas. Sempre com muitos livros em mãos, se vê obrigada a se mudar com a mãe para o campo onde seu padrasto, que claramente oprime a menina, trava uma intensa luta contra os rebeldes.

Lá ela encontra um labirinto que fará sua imaginação tornar real um mundo mágico repleto de seres míticos. Um deles é o Fauno, uma variação do deus Pan, criatura das possibilidades e do pensamento livre, é a única capaz de saciar seu desejo latente de transformação.

O Fauno então conta a menina que ela era a princesa do mundo subterrâneo, um local onde não se conhecia tristeza e dor. Ela havia fugido para conhecer o mundo dos homens e não retornou mais. Seu pai, o rei, ordenou então que fossem abertos portais por todo o mundo na esperança de que sua filha retornasse.

Ofelia recebe três tarefas que, ao cumpridas, farão com ela retorne a seu mundo e verdadeiros pais. A primeira é retirar uma chave mágica da boca de um sapo gigante que habita as raízes de uma árvore. Depois utilizá-la para conseguir um punhal protegido por um ser pelancudo e com olhos nas mãos. Ela chega até o local onde estão o punhal e este homem pálido através de uma porta aberta com um giz dado pelo Fauno junto com uma observação: não deve, em hipótese alguma, comer nada enquanto estiver cumprindo a missão, coisa que não acontece, já que ela encontra um lindo e suculento banquete. Neste detalhe o diretor nos remete à igreja católica, que apoiou abertamente os fascistas, e pune violentamente os que cedem a tentação. A terceira, e mais difícil, é a de derramar o sangue de um ser inocente: seu próprio irmão.

No filme não há limites entre fantasia e realidade. Ele aponta caminhos e deixa que você decida em que acreditar. Tanto quem gosta de fadas, lendas e mitologias quanto os mais céticos irão apreciar a história. A crítica social e política somadas a magia da fuga emocional de Ofelia são um mundo único criado pelo fantástico Guillermo Del Toro. O Labirinto do Fauno é imperdível!

O show de Truman - Artigo

2009-04-01T04:14:00.000-07:00

Muito antes dessa onda de shows televisivos que invadem a privacidade de pessoas anônimas ou de celebridades (refiro-me a Casa dos Artistas e ao Big Brother) tomarem conta da televisão foi lançado um filme nos cinemas (que fez grande sucesso) cuja temática explora, justamente essa questão tão essencial a todos nós, a privacidade.

Era "O Show de Truman", do competente diretor Peter Weir (o mesmo de "A Testemunha" e "Sociedade dos Poetas Mortos", filmes que merecem ser conferidos), estrelado pelo careteiro Jim Carrey (em seu melhor papel até aquele momento).

Truman (Jim Carrey), o sujeito do tal show, é um inocente, cuja vida tem sido transmitida ao vivo e em cores para os Estados Unidos inteiro em canal de TV paga. Desde o seu nascimento, até o momento em que a história se desenvolve, tudo o que se refere ao personagem de Carrey aparece na TV 24 horas por dia.

O problema é que ele é o único personagem dessa novela da vida real que não sabe o que está acontecendo, tudo o que ocorre ao seu redor é fictício, seu emprego é uma criação, seu casamento uma farsa (assim como foram o romance, a sedução e o namoro com sua esposa), seus amigos estão junto dele por estarem cumprindo um contrato como atores da rede que transmite o "Show de Truman".

Todos e tudo que o cerca são, literalmente, artificiais. Cenários compõe a cidade da vida de Truman, os carros são sempre os mesmos, cumprindo o ritual de rodar a cidade e dar a impressão de que a vida segue seu rumo, sua normalidade. Quando vai ao supermercado e adquire um produto, as imagens de Truman segurando e comprando determinados produtos viram marketing para as mercadorias adquiridas.

Nesse ambiente de mentiras, Truman desperta ao quase ser acertado por uma câmera que despenca do alto dos cenários. Seria Deus tentando alertá-lo ou seria apenas um acidente dos "deuses" da mídia televisiva que o colocam no ar todos os dias?

A partir desse incidente, sua relação com o mundo que o cerca muda completamente, ele passa a desconfiar de tudo e de todos, inicia uma procura incessante pelos olhos eletrônicos que estão a monitorá-lo todo o tempo, começa a duvidar da seriedade dos amigos e da esposa, percebe que o mundo ao seu redor repete-se com uma insistência irritante!

Numa época como a nossa, quando a discussão acerca dos direitos das pessoas é uma constante nos cenários nacional e internacional, a questão da privacidade sendo invadida por câmeras de televisão merece uma discussão acalorada em sala de aula. Muitos se perguntam os motivos que levam pessoas a enfrentar, conscientemente, o desafio de serem vistos diariamente por milhões de pessoas como o que ocorre com os já citados programas veiculados por canais abertos e fechados. Alguns, cedem a tentação da fama instantânea, conseguida graças a superexposição na mídia mais procurada por todas as classes sociais, a TV. É um tiro certeiro, as pessoas são reconhecidas nas ruas, tornam-se familiares a milhões de desconhecidos por invadirem seus lares através das telinhas e, com maior ou menor habilidade, conseguem ficar em evidência por mais alguns meses mesmo depois do programa terminar. Outras pessoas arriscam o espaço, a individualidade e, em muitos casos, correm o sério risco de se exporem ao ridículo movidas pelos prêmios milionários dados aos vencedores dessas verdadeiras maratonas.

Mas, e no caso de Truman, levado ao estrelato sem consulta prévia, na mais pura inocência, desconhecedor de sua própria história de vida? Não há dinheiro movendo suas ações, assim como, no seu cotidiano ele não consegue imaginar a repercussão de seus atos e o montante de popularidade por ele obtidos junto ao grande público que acompanha sua "novela da vida real".

Os direitos aos quais temos acesso não terminam quando começam os dos outros? A manipulação da rede de televisão que controlava o "Show de Truman" não consistia portando um desrespeito a um dos direitos essenciais da cidadania? Em que consiste a cidadania senão na consideração pelos outros e por suas dignidades? Não deve existir (e pelo que sei, já existe) por parte das emissoras de televisão um código de ética que não os faça lesar a integridade física e moral das pessoas que são apresentadas em seus programas? O próprio conceito de ética, foi criado para ser violado ou tem valor real e deve, por isso ser respeitado?

Discussões como essas podem nos levar a fomentar aulas interessantes em história, relacionando com o surgimento das Declarações dos Direitos Humanos em diferentes contextos, como no da Revolução Francesa ou no do final da 2ª Guerra Mundial (na época da criação da ONU); pode alimentar interessantes debates para a área de redação, com o adendo de que, o professor pode se utilizar de textos extraídos de jornais ou revistas que façam um contraponto, um termo de arguição e aprofundamento; pode servir como indicador de caminhos para aulas de filosofia e pode gerar o questionamento da questão da própria ética na sociedade em que estamos inseridos.

Por outro lado, o filme nos lança uma situação das mais interessantes ao afirmar a vida cotidiana como o maior dos espetáculos. Momentos tão desprezados de nossas existências quando realçados pelo brilho dos refletores das câmeras de TV parecem ganhar em vigor, fôlego e graça. Um abraço numa criança, a reunião com os amigos depois do expediente, ler um livro ou dar um beijo na mulher amada ganham contornos de grandes acontecimentos. Será que nós não estamos deixando essas cenas da vida real passarem sem dar a elas o verdadeiro reconhecimento e valor que elas merecem?

O show de Truman Ficha Técnica

2009-04-01T04:11:00.000-07:00

Título Original: The Truman Show
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 102 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1998
Site Oficial: www.truman-show.com
Estúdio: Paramount Pictures
Distribuição: Paramount Pictures / UIP
Direção: Peter Weir
Roteiro: Andrew Niccol
Produção: Edward S. Feldman, Andrew Niccol, Scott Rudin e Adam Schroeder
Música: Philip Glass e Burkhart von Dallwitz
Direção de Fotografia: Peter Biziou
Desenho de Produção: Dennis Gassner
Direção de Arte: Richard L. Johnson
Figurino: Marilyn Matthews
Edição: William M. Anderson e Lee Smith
Efeitos Especiais: The Computer Film Company / Cinesite Hollywood / EDS Digital Studios

Elenco
Jim Carrey (Truman Burbank)
Ed Harris (Christof)
Laura Linney (Meryl)
Noah Emmerich (Marlon)
Natascha McElhone (Lauren Garland / Sylvia)
Holland Taylor (Mãe de Truman)
Brian Delate (Pai de Truman)
Blair Slater (Jovem Truman)
Peter Krause (Lawrence)
Heidi Schanz (Vivien)
Ron Taylor (Ron)
Don Taylor (Don)
Paul Giamatti (Diretor da Sala de Controle)
Philip Baker Hall (Executivo)

Sinopse
Pacato vendedor de seguros (Jim Carrey) tem sua vida virada de cabeça para baixo quando descobre que é o astro, desde que nasceu, de um show de televisão dedicado a acompanhar todos os passos de sua existência.

Pôsters
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Imagens
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Premiações
- Recebeu 3 indicações ao Oscar: Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Ed Harris) e Melhor Roteiro Original.

- Ganhou 3 Globos de Ouro: Melhor Ator - Drama (Jim Carrey), Melhor Ator Coadjuvante (Ed Harris) e Melhor Trilha Sonora. Foi ainda indicado em outras 3 categorias: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor e Melhor Roteiro.

Curiosidades
- A Paramount Pictures, produtora do filme, criou o site do Truman Liberation Front, www.freetruman.com , que tem pôsters, banners e mensagens de pessoas se manifestando contra o programa de tv baseado em Truman.

- O ator que originalmente faria o papel de Christof era Dennis Hopper, que não chegou a gravar nenhuma cena como o personagem. O diretor Peter Weir decidiu substituí-lo por Ed Harris, que terminou sendo indicado ao Oscar pelo papel.

- Este é o 1º de 2 filmes em que Jim Carrey e Philip Baker Hall atuaram juntos. O posterior foi Todo Poderoso (2003).

- Todas as ruas da cidade onde reside Truman Burbank têm nomes de atores, como Lancaster Square ou Barrymore Road.

- O nome do barco de Truman é Santa Maria, o mesmo nome de um das caravelas de Cristóvão Colombo quando chegou à América.

O show de Truman - Poster

2009-04-01T04:10:00.000-07:00

O show de Truman - Trailer

2009-04-01T03:40:00.000-07:00

Leon Hirszman o navegador das estrelas

2009-03-28T04:49:00.000-07:00

Leon Hirszman foi um dos fundadores do Cinema Novo, movimento que começou a se esboçar no início dos anos 60 e se firmou ao longo daquela década, agrupando jovens diretores que renovaram temática e artisticamente a produção cinematográfica brasileira. A interação de Hirszman com esse movimento foi sempre de tal ordem que hoje, decorridos dez anos de sua morte, ele ainda é lembrado por seus pares como um elemento aglutinador, ou, nas palavras de Cacá Diegues, "O maior articulador que o cinema brasileiro já teve" e um "exemplo de convivência universal", como proclama Nelson Pereira dos Santos. Esse reconhecimento põe em relevo características muito especiais desse artista que sempre se mostrou preocupado em pensar a cultura brasileira e que ao longo de três décadas transitou pelas diferentes esferas da nossa vida cultural.

Filho de judeus poloneses que emigraram para o Brasil nos anos 30, Leon Hirszman nasceu num subúrbio da Zona Norte do Rio de Janeiro em 1937. Apaixonado por música popular e pelo cinema desde garoto, formou-se no entanto em engenharia. Leitor ávido de novas idéias, passou do socialismo lírico para o marxismo e a militância comunista. Mas o racionalista, que amava o debate e o discurso claro e convincente, era também um ser humano apaixonado e até místico. Essa contradição fez dele um criador de múltiplas faces, do que dá testemunho sua filmografia, onde se alinham obras A falecida, Garota de Ipanema, São Bernardo, Eles não usam black-tie exemplos da melhor ficção cinematográfica, e documentário como ABC da greve, Partido alto, a série intitulada Cantos de trabalho, um apanhado da diversidade musical do Brasil, e, sobretudo, Imagens do inconsciente, uma trilogia que incursiona pelos universos interiores revelados pelas atividades artísticas de três freqüentadores do setor de Terapêutica Ocupacional fundado e dirigido pela Dra. Nise da Silveira no Centro Psiquiátrico Pedro II do Rio de Janeiro.

Esta biografia, que restitui em toda a sua integridade a figura do cineasta Leon Hirszman, é o resultado de um meticuloso trabalho de pesquisa empreendido pela jornalista e escritora Helena Salem. Com a experiência adquirida na elaboração de Nelson Pereira dos Santos: O sonho possível do cinema brasileiro, já em segunda edição, e de 90 anos de cinema: uma aventura brasileira, Helena Salem logo se deu conta da necessidade de fazer o mesmo percurso interdisciplinar do seu biografado. Daí que, além de consultar o vasto material de imprensa da época, a bibliografia pertinente e os filmes do diretor, entrevistou dezenas de interlocutores de Leon Hirszman: diretores de cinema (Walter Lima Jr, Nelson Pereira dos Santos, Cacá Diegues, Eduardo Escorel, Bernardo Bertolucci, entre outros), atores (Fernanda Montenegro, Othon Bastos), músicos (Caetano Veloso, Edu Lobo), fotógrafos (Lauro Escorel, Luís Carlos Saldanha), economistas (Maria da Conceição Tavares), filósofos (Leandro Konder), psicanalistas (Joel Birman), psiquiatras (Nise da Silveira), além de familiares e amigos. Os testemunhos dessas pessoas permitiram à autora matizar a personalidade e o pensamento desse artista que deixou uma obra extensa, variada e fascinante. Obra que é estudada com apurado senso crítico por Helena Salem - o que enriquece extraordinariamente o seu livro e o torna indispensável para se conhecer um período importante da cinematografia nacional.

2009-03-23T16:32:00.000-07:00

O ano que nossos pais sairam de ferias

2009-03-23T16:28:00.000-07:00

É certo que a maioria dos filmes brasileiros procuram retratar nossos problemas políticos e sociais como contrapartes às belezas do nosso país - O ano em que meus pais saíram de férias não é exceção. Mas poucos filmes são tão brasileiros como o do quase estreante Cao Hamburger, cujos primeiros trabalhos eram para televisão (geralmente infantil) e teve experiência única no cinema com Castelo Rá-Tim-Bum (1999). O Brasil é fortemente tratado nesse filme, que mais uma vez fala sobre a ditadura militar, mas desta vez por uma perspectiva diferente (superficial) e com estilo e história bem afastados dessa leva de filmes.

Mauro, jovem mineiro apaixonado por Futebol, é levado às pressas para São Paulo, onde passará um tempo com seu avô, enquanto seus pais supostamente viajam de férias. Ao chegar na sua temporária casa o garoto se depara com uma realidade difícil ao saber que seu avô não o receberá da forma esperada, seus pais não tem previsão para voltar e não conseguem entrar em contato, e as pessoas agora responsáveis por ele não estavam nem um pouco preparadas. Ele acaba então se aproximando de um velho judeu (Shlomo) e de um grupo de garotos que moram no mesmo prédio, criando amizades importantes mas frágeis, já que as únicas coisas que aparentemente alegram o menino são o futebol e a expectativa de que seus pais o levarão o mais breve possível para casa.

A produção obteve sucesso ao contar a história da maneira mais politicamente correta e familiarmente divertida possível. O retrato da empolgante copa do mundo de 1970 ao mesmo tempo em que a ditadura atinge elevados índices de repressão e o garoto passa por momentos difíceis da sua vida é marcante. A aflição da história que, desde o seu início parece ter um fim óbvio e trágico, é muito bem amenizada pelas paixões do protagonista, em especial o futebol, e sua aproximação com algumas personagens interessantes.

O desenvolvimento de alguns dos principais papéis, em especial o do teimoso Mauro (Michel Joelsas) e o da desinibida jovem Hanna (Daniela Pipeszyk), valem as curtas 1 hora e 40 minutos de filme. Mas é no complemento às personagens e tramas principais que o filme pode deixar a desejar. Muitos pontos interessantes deixam de ser melhor explorados (o misterioso namorado na moto, o amigo revolucionário do pai) enquanto que partes nem tão importantes arriscam diminuir a qualidade do filme. Temos a impressão de que todos os ingredientes foram bem escolhidos e inseridos, mas pouco trabalhados. A superficialidade da história acaba por inibir qualidades importantes, e a copa do mundo e as brincadeiras com os amigos acabam tomando um destaque especial mas levemente apelativo na trama.

Enfim, é um filme que supera com tranqüilidade outras obras nacionais do ano. Um filme família que contagia e diverte todos os gostos, que não deixa de destacar o orgulho de ser brasileiro, mesmo na difícil época retratada. É também um filme sobre povos e culturas, o que certamente facilitou sua aceitação em premiações. O retrato dos judeus, italianos e gregos catapulta as chances de “O Ano” ganhar prêmios e reconhecimento (Oscar?), mas fazendo um julgamento mais frio a obra não chega ao patamar de outros grandes filmes como Central do Brasil, Cidade de Deus ou Tropa de Elite. O último, esse sim, merecendo essa vaga e outra meia dúzia de indicações e prêmios – mas não é difícil entender o porque de ter perdido espaço para o mais correto, digerível e sentimental O Ano em que meus pais saíram de férias. Contudo, vendo por todas as outras perspectivas, é um filme que orgulhosamente representa o Brasil nos festivais do mundo, e merece nosso reconhecimento e torcida.

Bodão

Direção: Cao Hamburger.
Elenco/Vozes: Michel Joelsas, Germano Haiut, Daniela Piepszyk, Simone Spoladare, Eduardo Moreira, Caio Blat, Paulo Autran.

O ano que nossos pais sairam de ferias - Trailer

2009-03-23T15:52:00.000-07:00

Fahrenheit 451 - Trailer

2009-03-04T06:21:00.000-08:00

Fahrenheit 451 - Poster

2009-03-04T06:20:00.001-08:00

Fahrenheit 451

2009-03-04T06:17:00.000-08:00

Num futuro próximo, os bombeiros locais têm por função queimar todo tipo de material impresso, que é considerado como propagador da infelicidade. Até que um dos bombeiros começa a questionar os motivos que fazem com que ele e seus colegas queimem livros e revistas. Dirigido por François Truffaut (A Sereia do Mississipi) e com Julie Christie no elenco.

Ficha Técnica
Título Original: Fahrenheit 451
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 112 minutos
Ano de Lançamento (Inglaterra): 1966
Estúdio: Anglo Enterprises / Vineyard
Distribuição: Universal Pictures
Direção: François Truffaut
Roteiro: Jean-Louis Richard e François Truffaut, baseado em livro de Ray Bradbury
Produção: Lewis M. Allen
Música: Bernard Herrman
Desenho de Produção: Syd Cain e Tony Walton
Direção de Arte: Syd Cain
Figurino: Tony Walton
Edição: Thom Noble
Efeitos Especiais: Bowie Films Ltd.

Elenco
Oskar Werner (Guy Montag)
Julie Christie (Linda / Clarisse)
Cyril Cusack (Capitão)
Anton Diffring (Fabian)
Anna Palk (Jackie)
Ann Bell (Doris)
Caroline Hunt (Helen)
Jeremy Spenser
Bee Duffell
Alex Scott
Michael Balfour

Sinopse
Em um Estado totalitário em um futuro próximo, os "bombeiros" têm como função principal queimar qualquer tipo de material impresso, pois foi convencionado que literatura é um propagador da infelicidade. Mas Montag (Oskar Werner), um bombeiro, começa a questionar tal linha de raciocínio quando vê uma mulher preferir ser queimada com sua vasta biblioteca ao invés de permanecer viva.

Pôsters
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Imagens
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Premiações
-

Curiosidades
- O título Fahrenheit 451 é uma referência à temperatura que os livros são queimados. Convertido para Celsius, esta temperatura equivale a 233 graus.

- Fahrenheit 451 é o único filme em inglês dirigido por François Truffaut.

- Todos os créditos de diretor, roteiristas, elenco, produtores, música, fotografia e até mesmo o nome do filme são narrados em off, não aparecendo nada escrito na tela. Apenas surge, no final, o tradicional "The End" e o nome do estúdio que produziu Fahrenheit 451.

- Entre os livros queimados pelos bombeiros está a revista Cahiers du Cinema, para a qual o próprio diretor François Truffaut escrevia na época.

- Após o término da montagem de Fahrenheit 451, o diretor François Truffaut declarou estar decepcionado com a versão original do filme, pois não gostou de alguns diálogos em inglês. Truffaut declarou ainda que preferia a versão dublada em francês do filme, cuja tradução foi inclusive supervisionada por ele.

Balzac e a costureirinha Chinesa - O Poster

2009-02-26T10:47:00.000-08:00

Balzac e a costureirinha Chinesa - O filme

2009-02-26T10:43:00.000-08:00

Marcelo Moutinho

Em "A insustentável leveza do ser", o escritor Milan Kundera revela, com certa amargura, a existência de laços estreitos entre o nosso "inelutável peso de viver" e as formas de opressão em geral. O peso da vida, sublinha Calvino ao comentar o livro do theco em suas "Seis propostas para o próximo milênio", habita "a intrincada rede de constrições públicas e privadas que acaba por aprisionar cada existência em suas malhas cada vez mais cerradas". Um romance sobre as aventuras de dois estudantes às voltas com o processo de ‘reeducação’ proposto pela Revolução Cultural na China dos anos 60 poderia espelhar este "peso". Não é o que ocorre, contudo, com "Balzac e a costureirinha chinesa", de Daí Sijie, autor alçado de mero desconhecido a best-seller na França em apenas duas semanas. A história das dificuldades de dois jovens sob a égide do projeto maoísta, contada no livro, em nenhum momento soa como libelo panfletário contra o totalitarismo. Ao contrário, é narrada com sabor, delicadeza e algum humor.

A obra, que sai no Brasil pela Editora Objetiva, foi lançada de maneira discreta, mas se transformou em um verdadeiro fenômeno literário, e não só em termos comerciais: a indicação ao Goncourt, mais importante prêmio da literatura francesa, comprova a aprovação da crítica. Acompanhando a trajetória dos rapazes da cidade – o narrador (18 anos) e o amigo Luo (17) – em seu exílio nas montanhas distantes, o texto de Sijie espelha, no microcosmo da aldeia, as conseqüências da política que fechou as universidades e atingiu diretamente a burguesia intelectual chinesa, cujos filhos foram enviados aos campos para aprender a ‘exemplar’ vida do proletariado. A diretriz seguia um dos ditados prediletos de Mao, destacado por Jung Chang em "Cisnes selvagens", livro que acompanha a saga de três gerações durante a história do país. Dizia o Grande Timoneiro que "os camponeses têm mãos sujas e pés sujos de bosta de vaca, mas são muito mais limpos que os intelectuais". A exemplo da escritora, Sijie, que mora na Europa há 15 anos e atua também como diretor de cinema, viveu ele próprio os dissabores da ‘reeducação’. A experiência com a Sétima Arte, aliás, transparece em sua narrativa, repleta de imagens fortes, que em breve chegarão às telas: o autor já anunciou que pretende transformar em longa-metragem as agruras dos garotos chineses.

"Balzac e a costureirinha chinesa" centra foco no choque que o "cheiro de civilização" dos jovens urbanos provocou nos camponeses. Explicita também os preconceitos que, gerados no ventre da ignorância, colocam em alguns momentos os rapazes em situações difíceis, sempre resolvidas graças a muita sagacidade. A seqüência da chegada no campo, por exemplo, é emblemática. Desconfiados quanto ao violino que um dos dois carrega, os aldeões anunciam que irão queimar o instrumento, classificado pelo chefe local como um "brinquedo burguês". Luo propõe então que o narrador toque uma sonata de Mozart, cuja execução evidentemente era proibida pela Revolução. A esperteza do narrador o livra da aflição. Indagado sobre o título da música, ele de imediato responde: "Mozart pensa no presidente Mao". É o suficiente para que a censura dê lugar a aplausos, e antecipe o tanto de astúcia necessário para garantir a sobrevivência nas montanhas.

Luo e o narrador têm colado em si o estigma de filhos de pais burgueses. São obrigados a realizar pesadas tarefas, como carregar nas costas baldes cheios de adubo, inclusive humano, ou enfrentar os pesados cestos de antracito em uma mina de carvão. Mas os rapazes por vezes conseguem escapar do trabalho, devido ao talento de Luo para reproduzir aos aldeões as histórias de filmes que conhecia. Enfeitiçado pelo poder narrativo do jovem, o chefe dos camponeses determina que ele estará presente às eventuais sessões do cinema da cidade mais próxima, a fim de assistir às produções oficiais e repassá-las à aldeia. Trata-se do indício primevo da grande questão proposta pelo romance de Sijie.

Uma questão que se explicitará com o giro radical na vida dos jovens, representado pela descoberta de uma valise que contém inestimável tesouro: livros de Flaubert, Baudelaire, Dostoievski, Dickens, Dumas; em resumo, boa parte dos cânones literários do Ocidente. De início, eles envolvem-se com "Úrsula Mirouët", de Balzac, que abrirá seus horizontes para além da fogueira inquisitória de Mao - onde, como a música, ardeu também toda a literatura ocidental, expurgada do país sob a pecha de decadente, apesar da sobrevida no mercado negro. No esteio do fascínio com as tramas de mistério, amor e desejo dos autores recém-descobertos, brota uma formidável sensação de autonomia, que os jovens comungam com os montanheses, principalmente com a Costureirinha, a filha de um alfaiate que atende aos habitantes de todas as aldeias da região e imediatamente capta as atenções dos rapazes por sua beleza. Desenha-se então uma marca indelével: o olhar em direção ao mundo se modifica, alterando também o comportamento de todos os que, de alguma forma, se vêem tocados pela literatura emanada da valise. Serão irremediavelmente diferentes as futuras páginas de suas vidas. De algum modo, a literatura os protege, forma um cerco a preservar a consciência individual, metaforizado pelo casaco do jovem narrador, no qual ele, temeroso em perder o contato com o romance, reproduz, linha por linha, o "Úrsula Mirouët" sobre o forro de pele de carneiro.

Ao embarcar nessa nova viagem do imaginário, os garotos encontram a "vivacidade" que, citando mais uma vez Calvino, pode nos fazer escapar à condenação do "peso" da vida. Curioso constatar que a grande Revolução comportou em seus escaninhos também pequeninas revoluções individuais, como estas que o livro de Sijie menciona, com a mesma leveza das histórias que fascinaram os jovens, funcionando como um escape possível para que, embora condenados inexoravelmente à opressão, lhes fosse possível vislumbrar alguma forma de liberdade

Resenha publicada no suplemento Idéias (Jornal do Brasil)

BALZAC E A COSTUREIRINHA CHINESA
Balzac et la Petite Tailleuse Chinoise, França/China, 2002.
Direção: Dai Siji.
Roteiro: Dai Siji e Nadine Perront.
Elenco: Zhou Xun, Chen Kun, Liu Ye, Wang Shuangbao, Cong Zhijun, Wang Hong Wei.
Fotografia: Jean-Marie Dreujou. Montagem: Luc Barnier e Julia Gregory. Direção de Arte: Cao Juiping. Música: Wang Pujian. Figurinos: Tong Huamiao. Produção: Lise Fayolle. Site Oficial: www.bacfilms.com/site/balzac.

Balzac e a costureirinha Chinesa - O livro

2009-02-26T10:37:00.000-08:00

Sucesso literário na França, romance ambientado durante a Revolução Cultural chinesa é um dos favoritos ao Goncourt 2000

No início desse ano, a França assistiu a um fenômeno literário. Dai Sijie, um autor desconhecido de origem chinesa, lança, discretamente, o seu primeiro romance, com tiragem de apenas 2 mil exemplares. Mas bastaram duas semanas para que o livro esgotasse e a editora tivesse que reaquecer as rotativas. Nova edição, topo das listas de best-sellers, resenhas elogiosas nos principais jornais e revistas, resultado: 175 mil cópias vendidas e a candidatura de BALZAC E A COSTUREIRINHA CHINESA ao principal prêmio da literatura francesa, o Goncourt.

A história de BALZAC E A COSTUREIRINHA CHINESA se passa no fim da década de 60, quando o líder chinês Mao Tse-Tung lança uma campanha que mudaria radicalmente a vida do país: a Revolução Cultural. Entre outras medidas drásticas, o governo expurga das bibliotecas obras consideradas como símbolo da decadência ocidental. Mas, mesmo sob a opressão do Exército Vermelho, uma outra revolução explode na vida de três adolescentes chineses quando, ao abrirem uma velha e empoeirada mala, eles têm as suas vidas invadidas por Balzac, Dumas, Flaubert, Baudelaire, Rousseau, Dostoievski, Dickens...Os proibidos!

BALZAC E A COSTUREIRINHA CHINESA é uma crônica da vida na China durante a revolução de 68. Um romance sobre a felicidade da descoberta da literatura, a liberdade adquirida através dos livros e a fome insaciável pela leitura, numa época em que as universidades foram fechadas e os jovens intelectuais mandados ao campo para serem "reeducados por camponeses pobres".

Entre os que tiveram de abandonar as cidades está o narrador de BALZAC E A COSTUREIRINHA CHINESA e seu melhor amigo, Luo. O destino deles é uma aldeia escondida no topo de uma montanha. A vida não é fácil para a dupla, mas com muita coragem, senso de humor, uma forte imaginação e a companhia da Costureirinha — a menina mais bela da região — o tempo vai passando. Até que descobrem a mala repleta de livros banidos pela Revolução Cultural. As obras, sobretudo Ursule Mirouët, de Balzac, revelam aos adolescentes uma realidade que nunca haviam imaginado. E é por intermédio desse mudo novo além das fronteiras chinesas, e dos grandes mestres da literatura que o narrador, Luo e a Costureirinha compreendem que suas vidas pertencem a algo muito maior.

DAI SIJIE é chinês e foi ele próprio submetido à reeducação. Vive na França há quinze anos, onde dirigiu três filmes de longametragem, dentre os quais Chine ma Douleur. Em breve, BALZAC E A COSTUREIRINHA estará nos cinemas, dirigido pelo próprio autor.

Trailer - Balzac e a costureirinha chinesa

2009-02-26T09:58:00.000-08:00

Trailer - O senhor das armas

2008-10-13T12:08:00.000-07:00

O senhor das Armas

2008-10-13T12:04:00.000-07:00

Nascido na Ucrânia antes da dissolução da União Soviética, Yuri Orlov (Nicolas Cage) emigrou com a família para os Estados Unidos quando ainda era criança. Alegando falsamente ter descendência judia, seus pais abriram um restaurante em Nova York. Depois de se tornar adulto, o rapaz ficou desiludido com a vida e com o trabalho modesto nos negócios do pai.

Após sobreviver a um tiroteio entre mafiosos russos, Yuri tem uma idéia que vai mudar definitivamente a sua vida. Ele convence seu irmão mais novo Vitaly a ser seu sócio no tráfico de armas. Toda a ascensão do poderoso traficante internacional é acompanhada de perto pelo agente da Interpol Jack Valentine. Logo, Yuri se vê sozinho diante do negócio, já que seu irmão se torna viciado em cocaína e é internado em uma clínica de reabilitação.

Tudo parece dar certo na vida do ucraniano, que conhece a bela Ava, se casa e tem um filho com ela. Para completar a felicidade de Yuri, o fim da União Soviética, em 1991, traz bons negócios para O Senhor das Armas que passa a comprar armamento e revendê-lo em países que estão em guerra, sem concorrência. Mas o cerco começa a se fechar quando a polícia internacional passa a investigar as atrocidades ocorridas na África Ocidental. Agora Yuri tem de escolher entre a vida no tráfico ou a estabilidade familiar.

Três anos após o lançamento da ficção Simone, o diretor Andrew Niccol volta à cena com um drama baseado em fatos reais. O cineasta foi indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro por ser o autor de O Show de Truman. O protagonista do filme, Nicolas Cage, já foi indicado duas vezes ao Oscar de melhor ator. Em 2003 por sua atuação em Adaptação e em 1996, quando venceu com o longa Despedida em Las Vegas. Além da premiação máxima da academia, o ator foi indicado a quatro Globos de Ouro e venceu um. A produção conta com uma participação nacional: Antônio Pinto que assina a trilha sonora do filme. O brasileiro foi responsável pela parte musical de Central do Brasil, Cidade de Deus e Colateral.

Senhor das Armas

2008-10-13T11:59:00.000-07:00

2008-09-23T04:25:00.000-07:00

Batismo de Sangue - Sinopse

2008-09-23T04:21:00.000-07:00

Em São Paulo, no final dos anos 60, o convento dos frades dominicanos torna-se uma trincheira de resistência à ditadura militar que governa o Brasil. Movidos por ideais cristãos, os freis Betto, Oswaldo, Fernando, Ivo e Tito passam a apoiar o grupo guerrilheiro Ação Libertadora Nacional, comandado por Carlos Marighella.

Frei Betto segue para um convento no sul do Brasil, onde ajuda perseguidos políticos a passarem pela fronteira. Vigiados pela polícia, Frei Fernando e Frei Ivo acabam presos e torturados. A polícia descobre como são feitos os contatos entre Marighella e os dominicanos e prepara uma emboscada para matá-lo. O convento é invadido, Frei Tito é preso. Em Porto Alegre, Frei Betto também é preso e os dominicanos são transferidos para um presídio em SP.

Frei Tito é interrogado e sofre terríveis torturas. Meses depois, um grupo guerrilheiro seqüestra o embaixador suíço no Brasil, exigindo a libertação de setenta presos, entre eles Frei Tito. Contra sua vontade, Frei Tito é mandado para o exílio e vai viver na França.

Mesmo longe do Brasil, Tito não consegue ficar livre de seus carrascos. Por onde passa, acredita estar sendo vigiado e ameaçado. Com intuito de pôr fim ao seu martírio e se livrar de seus perseguidores, Frei Tito comete suicídio.

Batismo de Sangue

2008-09-23T03:55:00.000-07:00

FAHRENHEIT 11 DE SETEMBRO trailer

2008-09-04T22:00:00.000-07:00

Fahrenheit 11 de Setembro (Fahrenheit 9/11)

2008-09-04T21:28:00.000-07:00

Sinopse: "Fahrenheit 11 de setembro" é uma dura análise da administração do governo Bush após os trágicos eventos de 11 de setembro, feita pelo cineasta ganhador do Oscar Michael Moore. Com seu humor característico e obstinado compromisso de revelar os fatos, Moore contempla a presidência de George W. Bush e onde ela está nos levando. Ele olha como - e porque - Bush e seus conhecidos evitaram associar o 11 de setembro aos Sauditas, ignorando o fato de que 15 dos 19 seqüestradores eram Sauditas e de que foi dinheiro saudita que fundou a Al Qaeda.

"Fahrenheit 11 de setembro" mostra uma nação mantida em medo constante por alertas do FBI e passiva diante de uma nova legislação, o "Patriot Act" (ato patriótico), que infringe direitos civis básicos. É nesta atmosfera de confusão, suspeita e terror que a administração Bush fez sua abrupta guerra rumo ao Iraque - e "Fahrenheit 11 de setembro" nos leva dentro desta guerra, para contar histórias exclusivas, ilustrando o cruel custo de vidas de soldados norte-americanos e de suas famílias.

Professor Pablo na ESP

2008-09-04T21:17:00.000-07:00

Cinema

Cineclube Darcy Ribeiro exibe filme sobre Salvador Allende e o golpe militar chileno

A propósito dos 35 anos de morte de Salvador Allende, presidente do Chile morto em 11 de setembro de 1973, o Cineclube Darcy Ribeiro exibe neste sábado, dia 06 de setembro, o longa-metragem “Chove sobre Santiago”, do cineasta chileno Helvio Soto (1930-2001).

Eleito democrática e constitucionalmente presidente de seu país, Allende foi vítima de um golpe promovido e executado pelos setores mais reacionários da sociedade e das forças armadas chilenas, com o patrocínio do Departamento de Estado norte-americano.

Segundo lembrou o sociólogo chileno Tomas Moulián, em artigo veiculado no site Le Monde diplomatique Brasil em 2003, Allende “era um homem político forjado nas lutas cotidianas. Visava conquistar espaços para uma política popular, num sistema democrático representativo, em que as políticas de aliança para favorecer a esquerda fossem factíveis. Mas nunca abandonou a crítica ao capitalismo e o desejo de socialismo”.

O filme de Helvio Soto é uma representação ficcional dos eventos que culminaram com a morte de Allende e a violenta repressão desencadeada com a vitória dos golpistas.

Para debater o filme, o golpe chileno de 1973 e suas conseqüências, o Cineclube Darcy Ribeiro convidou a professora Suze Piza, socióloga que leciona a disciplina “América Latina em Questão” na Universidade Metodista de São Paulo, e o professor Pablo Reimers, ex-aluno da Escola de Sociologia e Política da FESPSP, que dá aulas de “Cultura e Língua Hispânica” no Colégio Magister e é presidente do Comitê do Centenário de Salvador Allende no Brasil, além de fundador do Cineclube Leon Hirszman).

Serviço:

Cineclube Darcy Ribeiro
Data: 06 de Setembro (Sábado)
Horário: 13h00
Local: Unidade General Jardim (R. General Jardim, 522)

Filme : CHOVE SOBRE SANTIAGO (Il pleut sur Santiago, Helvio Soto, 1976. França/Bulgária, 112 min, cor)
Direção e Roteiro: Helvio Soto
Fotografia: Georges Barsky
Música: Astor Piazzolla
Elenco: Bibi Andersson, Dimitar Buynozov, Nicole Calfan, Riccardo Cucciolla, Annie Girardot, Serge Marquand, Laurent Terzieff e Jean-Louis Trintignant, entre outros.

http://www.fespsp.org.br/noticias.detalhes.asp?seq=782

Laranja Mecânica - Trailer

2008-08-23T04:03:00.000-07:00

Laranja Mecânica

2008-08-23T03:52:00.000-07:00

Com o brilhantismo nas entranhas, depois do cultuado [Veja bem, cultuado] 2001 - Uma Odisséia no Espaço. Stanley Kubrick leva o público à uma Inglaterra futurista, causando controvérsia [e furor] no mundo do cinema. O ano é 1971, tempos em que Charles Manson é condenado a morte e seus seguidores à câmara de gás, cerca de 500 mil pessoas marcham contra a Guerra do Vietnam em Washington, a sociedade se bate e rebate sobre formas de reeducação social e a violência gereralizada, é lançado Laranja Mecânica [do original a Clockwork Orange] dando uma, como chamamos, chicotada psicológica, nos mesmos moldes de Lolita (1962), Dr. Fantástico (1964) e Nascidos Para Matar (1987), revelando uma sociedade que vive sobre uma hipocrisia manchada pelo desumano e pelo sulrrealismo comercial. O filme se passa em um futuro não muito distante, numa brilhante atuação de Malcolm McDowel, como Alex DeLarge, tão brilhante essa a ponto do próprio Kubrick, que dificilmente fala de seus filmes, dizer que se não contasse com McDowel para o papel principal, não teria rodado nenhuma cena. Na história, Alex é líder de uma gangue de delinqüentes que, após roubar, estuprar e matar, é preso pela policia e é usado como cobaia, num experimento que faria com que o indivíduo interrompese seus impulsos maldoso e violentos. Kubrick, com inexpugnável maestria e perfeição, cria um domínio artístico e paradoxal sobre a essência da sociedade, pondo-se a prova revelando uma sociedade tão violenta quanto Alex. Depois de ser preso, ele é o primeiro condenado a ser submetido a uma nova forma de punição do governo, no qual se diz tornar o criminoso alguém bom para a sociedade, a forma como isso é feita, é claro! É mais violenta que a corpórea, tentando narcotizá-lo, controlando sua mente deixando todas as suas experiências pessoais sem importância, não se pode mudar a concepção de um homem, nem sua essência, não adianta hipnotizá-lo. E isso, Kubrick nos prova com maestria. Uma das cenas mais primorosas que considero sublime é a cena do estupro, onde Alex cria um plano maquiavélico, arrombando uma casa e estuprando a mulher de um escritor ao mesmo que cantando Singin´in the Rain, do famoso “Cantando na chuva”, mostrando-se hostil, agressivo e maldoso o bastante para não se revelar possuir sentimentos bons. Outra boa cena [e bizarra] quando Alex e seu bando invadem uma casa onde mora uma dançarina, matando-a com um pênis gigante. Laranja Mecânica é um clássico, com todas as letras e surtos, preste a atenção na linguagem usada pelo bando, criada ainda no livro de Anthony Burgess, que mistura palavras em inglês, russo e gírias. Um filme bom desde roteiro até a execução.

Uma indústria a todo vapor

2008-08-21T10:16:00.000-07:00

Por Cássio Starling Carlos
Diante do termo “indústria do cinema” muita gente ainda projeta o imaginário do capitalismo de séculos passados, com fábricas e usinas lançando em massa séries de produtos padronizados. Uma extensa reflexão “crítica” sobre os mecanismos da “indústria cultural” nos acostumou a enxergar, para o bem e para o mal, os filmes produzidos na escala hollywoodiana com as mesmas características que cobrem desde a fábrica de biscoitos até a montadora de automóveis. Como todo este imaginário, obviamente tais modelos de produção foram completamente ultrapassados.
Para saber de fato como são feitos os filmes que vemos hoje e que vêm daquele território que ainda chamamos de Hollywood uma leitura indispensável é um livro que acaba de ser lançado no Brasil pela Summus. “O Grande Filme: Dinheiro e Poder em Hollywood”, do jornalista Edward Jay Epstein, é um daqueles livros que todo mundo que consome filmes, games ou programas de TV deveria ler para saber como funciona a imensa máquina do entretenimento nos dias atuais e como ela se organiza para ocupar o que chamamos de nosso “tempo livre”.
A maior vantagem do esforço de Jay Epstein é ter recolhido uma enorme massa de informações, além de estudos históricos sobre o modelo e complementado com entrevistas. Com isso em mãos, o autor evitou produzir um livro para especialistas. Em vez de partir direto para análises, Jay Epstein adota a estratégia contrária, começando por estabelecer nexos entre a clássica Hollywood (a do sistema de estúdios, cuja crise começa por volta do fim dos anos 40) e a “nova” (a dirigida pelos interesses financeiros, capitais estrangeiros e apropriação prioritária pela indústria de equipamentos eletrônicos).
Para esclarecer a passagem transformadora entre as duas, o autor traça o percurso biográfico de seis executivos, todos de algum modo líderes de conglomerados de mídia e seguidores de lições ensinadas pelo pioneiro Walt Disney (segundo o autor, criador do novo sistema com sua lógica de oferta de produtos licenciados).Como toda transformação, esta também não foi súbita. Atravessou os turbulentos anos 70 e só se consolidou de fato a partir da década seguinte, com a entrada no mercado de duas novas formas de distribuição e consumo de imagens: os canais a cabo e o videocassete.
Evoluídos para formas muito mais maleáveis de circulação, como o VoD, TiVO e as mais recentes mídias digitais, tais formatos inverteram por completo o eixo da economia de produção das imagens. “Hoje, mais de 85% da renda dos estúdios provêm das pessoas que jogam games ou assistem a DVDs e televisão em casa”, esclarece Jay Epstein. Por maior que seja a bilheteria conquistada por um “blockbuster”, a arrecadação da exibição em salas de um filme é superada em cerca de cinco vezes pelo que o autor chama de “ponta final” _vendas para o consumidor doméstico, exibições na TV e licenciamento de produtos.
Enquanto isso, no Brasil, sobram defensores da reserva de mercado gritando argumentos em relação à ocupação obscena das salas de cinema pelas gigantescas produções americanas. À gritaria tampouco reagem os tubarões hollywoodianos, donos de um negócio que devora sem nenhuma forma de resistência a fatia muito mais polpuda do consumo doméstico. Ou alguém ainda acha que as enormes TVs de alta definição são usadas para decorar paredes?
Escrito por Cássio Starling Carlos às 10h14 AM

Senhor das Moscas - Trailer

2008-08-18T16:34:00.000-07:00

Esta semana: O Senhor das Moscas

2008-08-18T15:46:00.000-07:00

Através das "interpretações expressivas e competentes" (Peter Travers, Rollins Stone) de seu jovem elenco, esta impressionante aventura explora os recantos obscuros e sombrios da mente humana, contando a história de um grupo de adolescentes que é arremessado em um mundo imenso, no qual lei e confiabilidade são governadas pela necessidade de sobrevivência.
Após a queda de um avião em pleno mar, um grupo de cadetes militares americanos se vê isolado em uma ilha deserta. Percebendo que as chances de resgate são mínimas, os jovens se aproximam pelo medo e desespero. Mas à medida que vão tomando conta da paradisíaca ilha, a competição e a disputa pelo poder começam a dividí-los em dois grupos. Ralph (Balthazar Getty) lidera um grupo e prega a engenhosidade civilizada e a cooperação, mas Jack (Chris Furrh) não quer saber de nada disso e constrói uma facção de caçadores impiedosos, que acabam por entrar em guerra com Ralph. Essa poderosa mudança de consciência transforma garotos normais em assassinos primitivos, iniciando uma batalha devastadora do bem contra o mal e trazendo à baila a perturbadora metáfora do selvagem que há dentro de todos nós.

Tropa de Elite - discussão 1º A e 1º B

2008-08-14T07:03:00.000-07:00

A partir do que foi discutido no último Cineclube, quando assistimos o filme Tropa de Elite, escolha um dos temas que são abordados no decorrer da narrativa fílmica e escreva um comentário crítico com no mínimo dez linhas, utilizando a variedade padrão da Língua Portuguesa. Procure ser coerente e coeso, justifique sua argumentação e não tenha medo de expor suas idéias, pois sua opinião não está em julgamento.

Não esqueça de colocar seu nome e sua série, as postagem anônimas serão ignoradas!

Tropa de Elite - Trailer

2008-08-01T18:47:00.000-07:00

2008-08-01T16:14:00.000-07:00

Tropa de Elite - ESPECIAL

2008-08-01T16:12:00.000-07:00

Conheça o elenco, o Bope e veja curiosidades de Tropa de Elite

+ Série de TV baseada na trama é cancelada
+ Filme leva o prêmio máximo em Berlim

Capitão Nascimento, um policial inescrupuloso que acabou virando herói do público

+ 11 milhões assistiram à versão pirata

+ Filme é retrato da guerra civil brasileira

+ Pirataria leva a fenômeno de marketing

+ Editora da Contigo!, fala sobre a produção

+ Capitão Nascimento bate no Bonde do Foucault

+ O Brasil se olha no espelho

+ Tropa de Elite, finalmente, nos cinemas

+ Abaixo a mitologia da bandidagem

Soldados dessa máquina letal são mais qualificados que um PM comum

+ Os 11 mandamentos do BOPE

+ Ouvidor da PM diz que filme "carregou nas cores"

+ Depoimentos da ROTA

+ "Sou mulher do Capitão Nascimento"

+ Diários de guerra

+ Como funciona o carro do BOPE?

Baixe wallpapers das melhores cenas do filme

+ Galeria de fotos com todo o elenco,
direção e produção em cenas do filme

Confira um duelo engraçado dos personagens de Wagner Moura

Divirta-se com um quiz hilário sobre o filme no celular e veja mais fotos do longa

Confira os vencedores da promoção que deu 10 exemplares do livro Elite da Tropa

+ Elite da Tropa, livro que inspirou o diretor José Padilha, é mais violento que o filme
Elite da Tropa, livro que inspirou o diretor José Padilha, é mais violento que o filme

Veja lista com as melhores frases
ditas pelos personagens do filme

+ Opinião: filme gera debate positivo

+ Opinião: filme é fascista

+ Polêmica sobre violência urbana

+ Descubra quem é você em Tropa de Elite

+ A origem da música Tropa de Elite

Tenha na sua máquina emoticons divertidos e exclusivos inspirados no filme

O funk do Capitão Nascimento está sacudindo o Brasil. Divirta-se!

+ Trailer do filme

+ E se o Capitão Nascimento fosse técnico do Corinthians?

+ Atenção para o Funk da Tropa

+ O dia em que Tropa de Elite saiu da
disputa por uma vaga no Oscar

+ Moradores da Favela viram alvo fácil da polícia e de traficantes

+ A guerra nos morros do Rio

Interatividade

+ Fórum
Você acha que o Capitão Nascimento é herói ou vilão?

+ Enquete
Onde você assistiu ao filme Tropa de Elite?

+ Site Oficial
Conheça melhor a produção

2008-06-05T20:14:00.000-07:00

inopse: Tempos modernos retrata a interligação da vida com um relógio. O tempo marca a vida de operários de uma fábrica onde se desenvolve boa parte da ação.

O filme começa com imagens de um rebanho de ovelhas que, na sequência, são substiuídas pela imagem de um grupo de operários saindo da fábrica.

Pela cena inicial, nota-se a pressa em mostrar que a responsbilidade de massificação do proletariado corresponde ao processo de desumanização imposto pela máquina.

Tempos Modernos mostra um patrão em que ao mesmo tempo brinca de quebra-cabeça e lê gibi e paralelamente controla, de sua sala, através de um circuíto fechado de televisão o trabalho de seus empregados.

Em Tempos Modernos, Carlitos é um trabalhador da fábrica, em uma lnha de montagem. O seu serviço é ajustar os parafusos a uma velocidade que não consegue nem se coçar, sem que haja quebra no ritmo de trabalho dos companheiros.

Tempos Modernos no Cineclube

2008-06-05T10:59:00.000-07:00